Una selección de más de setenta obras sobre papel de algunos de los nombres más destacados de arte de los siglos XIX y XX: Goya, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Miró, Freud o Warhol, entre otros. Además de la representatividad de las obras y los artistas reunidos, hay que destacar el hecho de que se trate de piezas que forman parte de una colección privada española, la Colección Abelló, que se muestra al público por primera vez en un conjunto tan amplio.
Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid
Esta exposición aborda el arte alemán desde finales del siglo XV hasta mediados del XVI centrándose en dos aspectos: la imagen que el artista tenía de su entorno y el papel que estas imágenes desempeñaron en aspectos como la religión, la política o la guerra. También analiza la dualidad entre las ideas propias y específicas de la cultura germana y las influencias exteriores, principalmente del Renacimiento italiano. La exposición tiene como eje las figuras de Durero y Lucas Cranach el viejo; junto a sus obras pueden contemplarse manifestaciones de otros importantes artistas de este amplio periodo.
Esta retrospectiva del pintor Richard Estes recorrerá su trayectoria pictórica desde los años sesenta hasta hoy, con la intención de documentar su desarrollo como principal fundador y uno de los grandes del fotorrealismo americano. Mediante la utilización de la fotografía como fuente visual directa, Estes se especializó en representaciones de paisajes reales. Sin embargo, a diferencia de otros fotorrealistas que traspasan directamente la foto al lienzo, él la utiliza sólo como punto de partida, tomando varias vistas del lugar escogido y jugando con ellas, hasta llegar a la imagen definitiva, que convierte en una suerte de ilusión óptica. La muestra podrá verse primero en el Palazzo Magnani de Reggio Emilia, Italia, institución co-organizadora.
Con la colaboración del Consorcio Turísitco de Madrid
Patrocinada por Banco Caixa Geral y Fidelidade Mundial
Exposición dedicada por primera vez a los tres últimos meses de vida que Vincent Van Gogh pasa en Auvers, localidad cercana a París. El periodo de Auvers fue breve pero extraordinariamente fecundo y supone un giro decisivo en su obra que el pintor no tuvo tiempo de completar.
La exposición cuenta con la colaboración del Consorcio Turístico de la Comunidad de Madrid.
PHotoEspaña'07: LYNN DAVIS
29/05/2007 - 29/07/2007
Las series Iceberg y Persia Antigua, realizadas por la fotógrafo norteamericana Lynn Davis en 2000 y 2001 respectivamente, protagonizan la selección de obras que el Museo Thyssen-Bornemisza presenta en el marco de la décima edición del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña. Siguiendo la senda de la fotografía americana de paisaje, Davis capta en sus imágenes los vestigios y monumentos de la antigüedad y los paisajes naturales que visita, tratando de plasmar con su cámara la belleza de esos lugares y las emociones que suscita su contemplación.
Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y el Kimbell Art Museum (Fort Worth, Texas)
La exposición analiza, a través de la obra de artistas como Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Salvador Dalí, Francis Bacon o Andy Warhol, la evolución del género del retrato durante el siglo XX. La muestra se presentará primero en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid, para viajar posteriormente al Kimbell Art Museum de Fort Worth (Texas), entidad co-organizadora, con las otras dos, de la exposición. Se trata del primer estudio en profundidad sobre este género tradicional de la pintura que adquiere una importancia renovada en el arte internacional de la era moderna.
La primera de una nueva serie de exposiciones de periodicidad anual que, con el título Studiolo, reúne una selección de obras de la Colección escogidas por un gran artista vivo. Studiolo, diminutivo de studio, designa, en los palacios del Renacimiento, una pequeña estancia donde refugiarse a leer, meditar y contemplar algunas obras de arte cuidadosamente elegidas. En esta primera entrega es el pintor Avigdor Arikha el encargado de está selección; fijándose en la pintura del natural, Arikha reúne en una sala obras de Caravaggio, Tiziano, Degas, Cézanne o Mondrian junto a otras dos de su producción. Avigdor Arikha es un pintor de culto, admirado por la crítica y una escogida minoría de coleccionistas y artistas...
Express, 1963, de la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza, es una de las primeras pinturas en las que Rauschenberg empleó la serigrafía, una técnica que le permitía utilizar en sus lienzos fotografías, formando con ellas un collage de grandes dimensiones. La exposición se centra en este conjunto de obras realizadas en la década de los años 60, en las que se repite su personal iconografía.
La exposición presenta en paralelo las carreras artísticas de John Singer Sargent y Joaquín Sorolla. Dos artistas solitarios y de gran éxito internacional en el entresiglo XIX-XX; momento de inicio de las vanguardias que, sin embargo, los dos evitan. La muestra se centra en exponer afinidades y correspondencias, así como ocasionales encuentros entre dos artistas tan diferentes. El uso del color y la luz como medios expresivos, el afán de desarrollar una pintura moderna a partir de la tradición naturalista, su destacado éxito comercial y social, que les alejó de ser considerados como pintores vanguardistas, y el desarrollo en su última etapa de una creación más personal, son algunos de los puntos comunes que se ponen de manifiesto.
La Colección Pérez Simón es una importante colección particular mejicana constituida por más de un millar de piezas de pintura, escultura, dibujo, artes decorativas y manuscritos y que, hasta ahora, no se ha presentado nunca al público en su conjunto. El proyecto del Museo Thyssen-Bornemisza se centrará en la colección de pintura. De las más de cuatrocientas obra maestras que componen este conjunto, se ha hecho una selección de cincuenta y siete que abarcará desde el siglo XIV al XIX, y en la que podrá apreciarse soberbios ejemplos de escuelas como la italiana, alemana, flamenca, holandesa, francesa y británica. La sección dedicada al siglo XIX tendrá un peso específico, pues es uno de los bloques más sobresalientes de la colección, donde destaca la pintura victoriana. En la exposición podrán contemplarse obras de Bronzino, Lucas Cranach el viejo, Jan y Pieter Brueghel, Van Dyck, Rubens, Canaletto, Giambattista Tiepolo, Goya, Paul Gauguin, Claude Monet, Camille Pisarro, Pierre-Auguste Renoir, o Dante Gabriel Rossetti.
La exposición trata sobre los dos concursos convocados a finales del siglo XVI por la República de Venecia para la realización de las pinturas que decorarían la Sala del Gran Consiglio del Palazzo Ducale. Los más destacados pintores venecianos de la época presentaron sus bocetos a estos dos concursos; concretamente se conservan los presentados por Tintoretto (dos bocetos, uno de ellos el perteneciente al Museo), Veronés, Palma el Joven y Bassano. La exposición reúne de nuevo estas obras, todas ellas de gran formato: el cuadro que pertenece a la Colección del Museo, el Paraíso de Tintoretto, mide 164 x 492 cm, lo que da una idea de las dimensiones de estos bocetos y de lo excepcional de la exposición.
La muestra se realiza en colaboración con el Museo del Louvre, donde se expone hasta mayo de 2006, y con el Palazzo Ducale de Venecia, donde se mostrará tras su paso por Madrid, en el otoño de 2006.
El Museo Thyssen-Bornemisza participa en la novena edición del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña con la exposición de Bae Bien-U (Yosu, Corea del Sur, 1950). Las dieciséis fotografías expuestas corresponden a las series Pine Tree (Pino) y Wind of Tahiti (Viento de Tahití). La primera reúne obras realizadas a principios de la década de los noventa centradas en los bosques de pinos, que constituyen para el autor una importante fuente de inspiración. En estas obras los árboles pueden llegar a convertirse en criaturas que unen cielo y tierra, o representar a los individuos y los grupos sociales. La segunda serie, Wind of Tahiti, realizada entre 2002 y 2003, presenta una vegetación llena de fuerza y cromatismo, que recuerda las imágenes de la pintura de Gauguin en su periplo por esas tierras. Bae Bien-U, uno de los protagonistas de la joven fotografía coreana, es un autor autodidacta fuertemente influenciado por sus estudios de arte. Su obra ha recorrido medio mundo, desde Tahití hasta Nueva York, pasando por Tokio, París y Londres.
Fra Angelico. La virgen de la Humildad es el título de la exposición número 18 de la serie de exposiciones Contextos de la Colección Permanente, patrocinada por el Banco Urquijo. Comisariada por Guillermo Solana, Conservador Jefe del Museo Thyssen-Bornemisza y Mar Borobia, Jefe del Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza, la muestra gira en torno a la magnífica tabla del maestro italiano que, ubicada habitualmente en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), hace por unos meses escala en Madrid. La exposición analiza dos modelos de Vírgenes con amplia difusión dentro de la historia del arte, dos tipologías que cuentan con buenos ejemplos de gran riqueza, en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza: la Virgen de la Humildad y la Virgen entronizada con el Niño. A estos dos temas se añaden antecedentes que ilustran la postura que adopta la Virgen de la Humildad, procedentes de las Adoraciones del Niño, así como otros episodios marianos que presentan a María como Reina de los Cielos.
La exposición consiste en un recorrido por la génesis y desarrollo del arte ruso de vanguardia durante el primer tercio del siglo XX. El recorrido parte de la búsqueda, a comienzos de siglo, de un nuevo arte nacional basado en las tradiciones populares rusas. Un segundo apartado está dedicado a los primeros intentos por entroncar con el arte internacional europeo, principalmente con el Futurismo. Más adelante se analiza la trayectoria de artistas fuertemente personales como Chagall, Kandinsky o Filonov. La muestra prosigue con la abstracción organicista de los años de posguerra. Finalmente, el capítulo más extenso está dedicado al afán de superar el arte tradicional y de convertirlo en una forma de construcción del hombre nuevo, recurriendo a medios tan diversos como la pintura, la escultura, la fotografía o el arte de la propaganda.
Rafael Sanzio (Urbino, 1483-Roma, 1520) llegó a Roma, procedente de Florencia, probablemente en el otoño de 1508. Según Giorgio Vasari (1550), el joven artista fue llamado a la corte del papa Julio II (1503-1513) por mediación de Bramante que procedía, como él, de Urbino y que en ese momento era el responsable de las obras de San Pedro. En Roma, Rafael fue inmediatamente contratado para participar en la decoración de los apartamentos privados del pontífice, situados en el ala norte de los palacios vaticanos, iniciando su trabajo por la Estancia conocida con el nombre de la Segnatura. La estrepitosa novedad de su lenguaje, unida a la innovadora forma de su narración fue tal, que las decoraciones realizadas poco tiempo antes por otros artistas fueron destruidas, y el proyecto se adjudicó en su totalidad a Rafael.
Mimesis. Realismos modernos 1918-1945 se propone mostrar la difusión del realismo en los años que se extienden entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Durante este periodo histórico en que se pusieron en cuestión todos los presupuestos en los que se había basado hasta entonces el mundo occidental, el realismo se manifestó con fuerza constituyéndose en una de las tendencias principales de la modernidad. Los artistas realistas, en clara oposición al subjetivismo de los movimientos de vanguardia de comienzos de siglo, se concentraron en interpretar la realidad de su tiempo; para ello tuvieron que desarrollar una nueva manera de representación adecuada a la nueva era y, en gran medida, contribuyeron a un mejor entendimiento del hombre moderno.
La Historia del Arte del siglo XX ha presentado a Jean-Baptiste Camille Corot resaltando de forma selectiva determinados aspectos de su dilatada obra. Así, en Corot, se ha visto o bien a un descendiente del paisaje neoclásico o a un precursor del Impresionismo; se le ha estudiado bajo el prisma realista de sus paisajes o, por el contrario, bajo las composiciones más depuradas que presentaba al Salón. Esta exposición pretende destacar todos estos matices, sin subrayar ninguno de ellos. El proyecto también quiere ser un punto de partida para revisar y revalorizar un tema relativamente olvidado hoy por la crítica, pero al que Corot debe su éxito en el siglo XIX: los llamados souvenirs (recuerdos).
Hans Memling, de origen germano, nació en Seligenstadt hacia 1435. El primer dato que se conoce sobre él es de 1465, cuando consiguió la ciudadanía en Brujas, requisito imprescindible para ejercer su profesión en esta urbe a la que llegó ya como maestro. Por lo que respecta a su aprendizaje, se acepta que pudo iniciarse en su ciudad natal, en Alemania, completándose, en Bruselas, en el taller de Rogier van der Weyden. Memling trabajó en Brujas tanto para las familias más influyentes como para la nutrida y próspera comunidad de extranjeros que tenían allí sus negocios; sin embargo nunca consiguió ningún encargo oficial de la ciudad. Su primera pintura importante fue el Tríptico del Juicio Final, comisionado por el representante de la familia Medici, Agnolo di Jacopo Tani. Entre sus conjuntos más destacados se encuentra, el Tríptico de los Santos Juanes, de 1479, en el Memlingmuseum de Brujas, pintado para el Hospital de San Juan de Brujas. Un lugar importante dentro de su carrera ocupa el Tríptico Moreel, de 1484, para la iglesia de Santiago, y costeado por el político y comerciante Willem Moreel; en él se representa uno de los primeros retratos familiares de grupo. En su etapa final hay que situar el célebre relicario con escenas de la vida de santa Úrsula, consagrado en 1489, con sugestivas vistas de la ciudad de Colonia como fondo.
En 2005 se cumplen cien años de la constitución del grupo de artistas Brücke, que fue fundado en junio de 1905 por Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, entonces estudiantes de arquitectura en Dresde. Emil Nolde, Max Pechstein, Cuno Amiet y Otto Mueller estuvieron entre los pintores más destacados que se adscribieron después a esta agrupación que se disolvería definitivamente en 1913. En los ocho intensos años de actividad de este grupo tuvo su máximo desarrollo el primer expresionismo alemán, que conoció diversos episodios estilísticos marcados precisamente por las expectativas artísticas en las que convergieron sus principales miembros.
La exposición se centra en el análisis de la obra de Paul Gauguin y su relación con otros artistas: sus maestros, como Pissarro, Cézanne o Degas, sus coetáneos, principalmente Van Gogh, y otros artistas que muestran su influencia, como Bonnard, Vuillard o Picasso, durante el periodo comprendido entre 1884 y 1891. Durante esta época Gauguin pasó de ser un impresionista secundario a convertirse en cabeza de fila del movimiento simbolista. El esfuerzo por superar el impresionismo le llevó a poner en cuestión toda la tradición "naturalista" del arte europeo desde el Renacimiento. Uno tras otro, sacrificaría todos los recursos descriptivos de la pintura (perspectiva, sombras, claroscuro, tono local), en aras del valor puro de la línea y el color sobre el plano.
El siglo XIX fue uno de los períodos más fecundos del arte andaluz tras la decadencia que siguió a la muerte de Murillo y el predominio de pintores extranjeros en la corte de los primeros Borbones. Desde los años treinta del siglo XIX, Sevilla y otras capitales andaluzas se beneficiaron de un notable auge económico. Pero más importante que ello, fue la llegada a Andalucía de viajeros provenientes de Inglaterra y de otras partes de Europa. Estos primeros «turistas» habían comenzado a recorrer nuestro país a fines del siglo XVIII, pero fue en el segundo cuarto del siglo siguiente cuando su presencia se hizo masiva, fruto de las repercusiones que tuvo en toda Europa la Guerra de Independencia (1808-1813) y de la popularización del gusto romántico por lo exótico. Andalucía protagonizó, como ninguna otra región, el «mito romántico de España». Sevilla y Granada principalmente, acogieron a escritores y pintores como Washington Irving, Richard Ford, Théophile Gautier, Alexandre Dumas, David Roberts, John Frederick Lewis, Alfred Dehodencq, Gustave Doré, etc., quienes fijaron la imagen de «lo español». Paralelamente, en el extranjero creció la demanda de obras capaces de plasmar los principales paisajes, monumentos y costumbres del sur de España.
Las 66 obras seleccionadas para la exposición representan una excelente ocasión para revisar los orígenes y desarrollo de la pintura catalana moderna, con obras que abarcan desde mediados del siglo XIX hasta principios del XX.
La muestra se abre con una sección dedicada al paisaje romántico y naturalista, considerado como el primer capítulo de la modernidad en Cataluña. Notoriamente representado por Martí Alsina, presente en la exposición con cuatro obras, este movimiento cultural se centra predominantemente en la pintura de paisaje y conserva en sus motivaciones algo del romanticismo del que emerge. "Curiosamente, señala Tomàs Llorens, Conservador Jefe del Museo y autor de la selección de obras de esta muestra, el romanticismo constituye no solamente el punto de partida, sino también un punto de conclusión del naturalismo". Corbera de Llobregat, el importante paisaje de Lluis Rigalt que se incluye en la exposición, constituye un ejemplo significativo de esta zona fronteriza entre los dos movimientos. Junto a él, ilustran este capítulo de la historia de la pintura catalana obras de Martí Alsina, su discípulo, Modest Urgell y Joaquim Vayreda.
El tema central de la exposición, La Crucifixión, que guarda el Museo Thyssen- Bornemisza, es una de las pinturas más antiguas que se conserva del artista y está considerada una obra de su primera etapa de actividad. Se trata de una tabla de notable interés, especialmente por su tratamiento del paisaje, para el que elige un momento crepuscular en el que la luz tiene un protagonismo que se refleja tanto en el cielo como en las tonalidades utilizadas para presentar a los personajes. En la tradición de la pintura medieval, junto al tema central, generalmente escenas del Nuevo Testamento o vidas de santos, es frecuente encontrar espacios reinventados, como Tierra Santa, Jerusalén o Belén recreadas en forma de ciudades medievales, con un paisaje "de lejos" agradable y pintoresco, lleno de detalles que lo humanizan. En esa línea, el fondo de este cuadro es un amplio escenario en el que destaca el desarrollo de Jerusalén, una ciudad vista desde el exterior con un recinto amurallado y los edificios del templo y el castillo sobresaliendo sobre los demás.
Willi Baumeister 1889- 1955
30/10/2003 - 22/02/2004
Esta es la primera antológica que se presenta en España del pintor alemán Willi Baumeister, una de las figuras más destacadas del arte alemán del siglo XX y uno de los artistas más influyentes – junto a Paul Klee – en los orígenes de la abstracción española. Organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich, y con el apoyo de la familia Baumeister, la exposición, tras su paso por Madrid, podrá verse también en la ciudad alemana de marzo a junio de 2004.
Willi Baumeister pertenece a la generación que emerge en el panorama artístico alemán en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial (Schlemmer, Müller, Siegel…). Su carrera se desarrolla fundamentalmente en Alemania, aunque estuvo vinculado durante los años 1920 al grupo parisino de l’Esprit Nouveau (Léger, Le Corbusier, Ozenfant...) y en los años 1930 formó parte del frente internacional Abstraction Création. A lo largo de toda su vida, mantuvo también una relación especial con el mundo artístico español.
Relegado, al igual que otros artistas europeos modernos, por el predominio de la historiografía norteamericana en el arte de la segunda mitad del siglo XX, esta exposición antológica – con 92 obras (75 pinturas y 17 dibujos) - pretende revisar la evolución de su pintura a lo largo de toda su trayectoria artística y restituir a Willi Baumeister en el lugar que le corresponde como una de las grandes figuras de la abstracción europea.
El lienzo de la Piedad (El entierro de Cristo), pintado por Jusepe de Ribera y fechado en 1633; es una de las realizaciones más logradas de un tema al que el artista dedicó varias versiones. La exposición, patrocinada por la Caja de Ahorros del Mediterráneo, revisa la iconografía de la Piedad en su producción y, más concretamente, la importante aportación de Ribera en la representación pictórica de este episodio de la Pasión. Para ello, se ha reunido un escogido grupo de obras realizadas en distintos momentos de su carrera.
La exposición pretende mostrar el papel activo del modelo musical en la pintura centrándose en un periodo concreto: la década de 1910, los años en que se inicia el desarrollo del arte abstracto. Para ilustrar los diferentes medios por los que el ideal de sinestesia (es decir, la correspondencia entre percepciones sensoriales diferentes como, en el caso de música y pintura, vista y oído) da pie a la pintura abstracta, se muestran obras de artistas muy variados. Todos ellos son contemporáneos de quien, por su influencia y calidad, se revela como figura central de la abstracción, Wassily Kandinsky.
El principal objetivo de la exposición es mostrar, a través de alrededor de 70 obras procedentes de museos y colecciones particulares de todo el mundo, la importante contribución de Robert y Sonia Delaunay a la pintura moderna entre 1907, fecha de su primer encuentro, y 1941, año en que muere Robert. El motivo principal del lenguaje abstracto de Robert Delaunay fue la luz. Tras un detallado estudio de las teorías del color, Delaunay llegó a la conclusión de que la fuerza y la paradójica realidad de la luz – su ubicuidad, su energía infinita y su inmaterialidad – sólo se podía representar pictóricamente a través del color. El propio artista denominó a su método de representación de la luz a través del color con el nombre de Simultaneismo. Éste fue su único principio artístico desde 1912, año en el que publica Luz, un texto que tuvo una gran influencia en los artistas contemporáneos y que fue traducido al alemán por Paul Klee. En esas fechas Apollinaire acuñó el término “orfismo” o “cubismo orfico” para definir el trabajo de su amigo. El propio Delaunay definía así su camino hacia la abstracción: “…. esas reminiscencias de objetos, de residuos de objetos en mis cuadros, se me aparecían como elementos nocivos. Yo tenía la intención de fundir esas imágenes objetivas en ritmos coloreados, pero esas imágenes eran de otra naturaleza… Entonces me vino la idea de suprimir las imágenes vistas en la realidad: los objetos que venían a interrumpir y corromper la obra coloreada. Acometí el problema del color formal.”
La fuente de inspiración para Rubens fue un lienzo de Tiziano, perdido durante el siglo XIX, que formó parte de las colecciones reales españolas. Este lienzo, copiado por Rubens durante una de sus estancias en la corte madrileña, es conocido a través de otras versiones que se han conservado. La que se considera más cercana a la pintura perdida, y la de mayor calidad, es el óleo de la National Gallery de Washington [cat. nº. 2]. La contemplación simultánea de ambos lienzos en la exposición ofrece la posibilidad de estudiar las diferencias interpretativas y estilísticas entre estos artistas.
A través de más de setenta obras, la exposición ofrece un completo recorrido por la trayectoria artística de Alfred Sisley, en un auténtico paseo geográfico por los escenarios que visitó y pintó a lo largo de toda su vida. Menos conocido quizás que el resto de los miembros del grupo – Monet, Renoir, Pissarro o Degas – Sisley es sin embargo considerado como uno de los representantes más puros del movimiento; su forma de vida, su método de trabajo y su obra, representan la esencia del impresionismo, a cuyos principios originales se mantuvo fiel durante toda su carrera. Uno de los objetivos principales de esta exposición es, precisamente, redescubrir y resaltar la figura de Sisley en el contexto de los pintores impresionistas, pero también como uno de los grandes paisajistas de la historia del arte, dotado de una extraordinaria sensibilidad cromática y un sentido innato de la composición. Al mismo tiempo, se quiere profundizar en algunos aspectos poco conocidos pero no menos importantes para valorar su obra; entre ellos, su conexión con la pintura romántica británica o los años finales de su carrera, de 1880 a 1899, etapa hasta ahora analizada muy superficialmente.
Gradiva descubre las ruinas antropomorfas. (Fantasía retrospectiva) de 1931-1932, es una obra fundamental de la colección del siglo XX del Museo Thyssen-Bornemisza. Para esta pintura, Dalí se basa en la heroína de la novela de Wilhelm Jensen, Gradiva (publicada en Alemania en 1903) que los surrealistas utilizaron como fuente de inspiración, especialmente a través de la interpretación que Sigmund Freud había hecho del libro, El delirio y los sueños, en 1907, en la “Gradiva” de Jensen.
El principal objetivo de esta exposición es presentar una imagen completa de la trayectoria artística de Braque que sea al mismo tiempo elocuente de su papel como uno de los pintores esenciales del siglo XX. Para ello se ha logrado reunir un conjunto de sesenta obras de la mayor calidad que proceden de museos y colecciones particulares de todo el mundo: Statens Museum for Kunst (Copenhague), Staatsgalerie (Stuttgart), Tate (Londres), Centre Georges Pompidou (París), Musée de Grenoble, Musée Picasso (París), Colección Paule y Adrien Maeght, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, The Menil Collection (Houston), Fondation Margerite et Aimé Maeght, etc. En su trayectoria artística destaca, sin duda, la invención, junto con Picasso, del cubismo, uno de los capítulos más importantes del arte moderno. Junto a ello, la creación y experimentación de nuevas técnicas, como el papier collé o las palabras pintadas, su constante reinterpretación de los grandes géneros de la pintura clásica, principalmente el paisaje y el bodegón y, sobre todo, las soluciones que plantea a las que fueron sus dos grandes obsesiones: la fusión de las cosas con su entorno y la transcripción de la solidez del espacio, han marcado también hitos importantes en la historia del arte del siglo XX dejando una huella evidente en numerosos artistas contemporáneos.
La Colección Thyssen-Bornemisza y el Museu – Monestir de Pedralbes presentan la exposición Los Reyes Magos de Oriente. Historia de una tradición, una nueva mirada a la representación de unos personajes que forman parte del imaginario colectivo. A través de las obras de grandes maestros como Ferrer Bassa, Pietro de Rimini o Luca di Tommè, esta muestra es un evocador viaje a través de la historia y la iconografía de los tres Reyes desde el siglo XIII hasta el siglo XVIII.
Los retratos de Max Schmidt (1914) - perteneciente al Museo Thyssen-Bornemisza- y de Carl Leo Schmidt (1911) -de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza-, son dos de las tres partes en que fue recortado el Triple retrato de los hermanos Schmidt en los años cincuenta (el tercero de los retratos, el de Hugo Schmidt, se da por desaparecido). El estudio de estos dos retratos, que vuelven ahora a exponerse juntos por primera vez desde hace casi cincuenta años, ha sido el motivo de esta nueva edición de la serie Contextos de la Colección Permanente.
Esta exposición propone una nueva interpretación de las relaciones entre clasicismo y modernidad en el arte de la primera mitad del siglo XX. Su clave está en la noción de forma. El formalismo, una posición teórica que privilegia la forma sobre el contenido en la obra de arte, fue determinante para el nacimiento del nuevo arte del siglo XX y para su ruptura respecto del siglo anterior. Por otra parte, el formalismo propició que una corriente muy importante de la modernidad se decantara hacia la búsqueda de un nuevo clasicismo en los años 1920 y 1930.
Esta hermosa pintura que normalmente se exhibe en la sala 31 del Museo, dedicada a la pintura europea del siglo XIX, puede ahora contemplarse junto a otros cuadros que Corot pintó durante su visita al Château de los Leones en Port-Marly, propiedad de la familia Rodrigues-Henriques. Este grupo de obras nos acerca al estilo paisajístico de Corot y nos ofrece la oportunidad de estudiar la relación entre el artista y la familia Rodrigues-Henriques, a la que pertenecieron la mayoría de ellas. Georges Rodrigues un adinerado coleccionista, aficionado a la pintura, se convirtió en su madurez en un aplicado discípulo del pintor, como puede comprobarse en el paisaje suyo que presentamos junto a las obras de su maestro.
Canaletto. Una Venecia imaginaria propone una revisión de criterios asociados a la obra de uno de los grandes pintores del siglo XVIII. Las pinturas y grabados seleccionados recogen la imagen de una ciudad universalmente conocida, un icono que ha permanecido inalterable con el paso del tiempo. Por este motivo, algunos sectores de la historiografía del arte, han considerado a Canaletto un pintor que reproducía mecánicamente la realidad de su alrededor. En esta exposición se analiza la obra de Canaletto desde otra perspectiva: la de un artista capaz de cambiar la imagen de su ciudad, manteniendo, pese a ello, un grado de verosimilitud en el que es difícil separar la ficción de sus pinturas de la verdad de los espacios venecianos. El itinerario expositivo se ha dividido en tres capítulos. El primero se abre con treinta y un aguafuertes de Canaletto, grabados entre 1740-1745, donde los caprichos alternan con vistas de Venecia y sus aledaños. El segundo, más extenso, está dedicado a la pintura al óleo. Los caprichos seleccionados en este grupo, envueltos en una atmósfera poética, yuxtaponen arquitecturas clásicas vénetas y romanas. Junto a Canaletto se ha considerado oportuno para su comparación, exponer vistas de otros pintores contemporáneos como Luca Carlevarijs, Michele Marieschi, Francesco Guardi, Bernardo Canal, padre del artista, o su sobrino Bernardo Belloto. El tercer capítulo, con el que se cierra el recorrido, se ha dedicado a los aguafuertes de Antonio Visentini que reproducen las vedute más sobresalientes de Canaletto pintadas entre los años 1725 y 1740. Las treinta y ocho estampas se dividen en dos series. La primera propone un itinerario por el Gran Canal desde el Puente de Rialto hasta la punta de la Aduana y desde el Rialto a la entrada Norte; la segunda atraviesa la ciudad desde su acceso septentrional hasta la plaza de San Marcos. Los últimos doce grabados ilustran campos menores de la ciudad del Adriático.
Esta exposición se propone mostrar la circulación de obras de arte, de ideas y de artistas en la cuenca mediterránea en el siglo XV. Durante el primer tercio de esta centuria los patrones medievales del Gótico Internacional se fueron abandonando, al tiempo que se difundían las nuevas doctrinas y formas artísticas que emanaban de Flandes y del Norte de la Península Itálica. Los itinerarios de estos procesos de difusión, los maestros que intervinieron en este proceso de intercambios y los lugares donde se gestaron, se analizan aquí por medio de más de un centenar de pinturas y objetos. La muestra consiente examinar en el contexto cultural de origen algunas obras que han tenido un papel determinante en la renovación del lenguaje figurativo del Renacimiento. Además, se reúnen pinturas que han estado separadas mucho tiempo como es el caso del San Jorge de la National Gallery de Washington y la Virgen con el Niño del Museo Thyssen-Bornemisza, ambas de Rogier van der Weyden.
Explorar el Edén es un recorrido por la pintura de paisaje americana del siglo XIX, un capítulo de la historia del arte muy poco conocido en Europa, a pesar de su innegable contribución a la tradición paisajística de la pintura occidental. La muestra, que abarca un arco cronológico que va desde el romanticismo al naturalismo, arranca con la figura de Thomas Cole, el padre del paisajismo norteamericano y finaliza con Winslow Homer, un pintor que anuncia ya la pintura moderna.
Michael Andrews (1928–1995), sólidamente enraizado en la tradición figurativa británica, suele estar vinculado a la denominada Escuela de Londres, un grupo heterogéneo de artistas que compartieron un mismo interés por la figura humana y un profundo rechazo del naturalismo academicista. Todos sus componentes, entre los que además de Andrews se encuentran Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach y Leon Kossoff, están ampliamente representados en la colección del Museo Thyssen-Bornemisza.
Victor Hugo (1802-1885), una de las grandes figuras de la literatura universal, fue además un importante artista plástico hasta ahora poco conocido. Esta exposición, que se presentará posteriormente en la Maison de Victor Hugo de París, ofrece una amplia selección de obras sobre papel, así como un conjunto de objetos, surgidos de su inagotable imaginación creadora. El Museo Thyssen-Bornemisza se suma de esta forma a las iniciativas que últimamente van apareciendo para dar a conocer su obra pictórica - eclipsada quizá por la desbordante fama de su obra literaria - que nos permitirá descubrir a un sorprendente innovador de formas y técnicas artísticas.
Algur Hurtle Meadows (1899-1978) procedente de Vidalia, Georgia, fundó en Texas la General American Oil Company. Negocios relacionados con esta firma hicieron que Algur H. Meadows visitara España en la década de 1950 pasando largas temporadas en Madrid. Las numerosas visitas que Algur H. Meadows realizó al Museo del Prado, próximo al lugar donde se hospedaba, y la fascinación que le produjo la pintura española del Siglo de Oro, desembocaron en la firme decisión de crear una colección propia de arte español. Sus primeras compras se orientaron hacia pintores de los siglos XVI y XVII, ampliando posteriormente este arco cronológico con adquisiciones desde el siglo XIV al XX. El museo fundado en memoria de su primera esposa, Virginia Garrison Stuart (1901-1961) obedeció al deseo personal de Meadows de erigir un centro de arte español en Texas. En 1967, con la ayuda de William B. Jordan, la colección Meadows se revisó depurando y ampliando sus fondos con obras de calidad indiscutible. Algur H. Meadows participó activamente en estas labores que han tenido una continuidad hasta la actualidad.
La colección Jan y Marie-Anne Krugier-Poniatowski, con sede en la ciudad suiza de Ginebra, se inició a finales de la década de los años 60 con la adquisición de un dibujo del artista francés Georges Seurat. En los treinta años transcurridos desde aquella primera compra, los fondos de la colección Krugier- Poniatowski han superado ampliamente los cuatrocientos diseños que en la actualidad componen este conjunto privado. La colección Krugier-Poniatowski, conocida de los especialistas, ha participado activamente en el último tercio del siglo XX, con obras puntuales, en importantes exposiciones. Sin embargo ha sido con el cambio de siglo cuando sus propietarios han decidido presentar al público, por vez primera, una amplia selección de las obras que conforman su colección.
La octava edición de la serie Contextos se organizó con motivo de la presentación del cuadro Haff (Albufera), del pintor expresionista alemán Max Pechstein, adquirido por el Ministerio de Educación y Cultura para formar parte del Museo. Es la primera vez que se incorpora un nuevo cuadro a la colección y su adquisición viene además a enriquecer la ya completísima representación del grupo expresionista Die Brücke (El Puente) en la Colección Permanente. Este acontecimiento, junto a la importancia de la obra, se consideró el motivo más adecuado para organizar una nueva exposición de la serie Contextos.
Junto a ella se reúne en la muestra un conjunto de doce pinturas al óleo y acuarelas que Pechstein realizó en el verano de 1909 durante su fructífera estancia en una pequeña aldea de pescadores del Báltico: Nidden.
Este fue un momento clave en su trayectoria artística, cuando consolida y conquista los recursos expresivos necesarios para desarrollar por completo su estilo único y personal.
El naturalismo constituyó una corriente artística de límites imprecisos que durante casi tres siglos surcó la pintura occidental, hallando su culminación en el siglo XIX. Frente a la pintura de historia y el retrato, tradicionalmente considerados como los géneros artísticos principales, el naturalismo se nutrió de las conquistas plásticas llevadas a cabo en el seno del paisajismo, de las escenas de vida y costumbres cotidianas -también denominadas "escenas de género"- y de los bodegones o naturalezas muertas. Precisamente por considerarse géneros menores, ninguno de ellos estuvo sujeto a la rígida reglamentación de los cuadros mitológicos, religiosos o alegóricos, obligados estos últimos a embellecer la realidad concreta en función de "lo ideal". Ello redundó en una observación directa de la naturaleza y en el progresivo abandono de las fórmulas de taller.
A través de un centenar de obras, principalmente óleos y algunos dibujos y acuarelas, esta exposición ofrece un completo recorrido por la trayectoria artística de Morandi, un pintor poco conocido por el gran público pero cuya obra sobresale por su gran calidad y por su alto grado de refinamiento. Nacido en Bolonia, ciudad en la que transcurrió toda su vida artística, Giorgio Morandi es un artista intemporal, con un lenguaje totalmente personal en el que ha quedado reflejado como en muy pocos la esencia de la modernidad. Aunque se trate de un pintor aislado, que no puede enmarcarse en ninguno de los grandes movimientos del arte contemporáneo, su obra ilustra de un modo muy claro las ideas fundamentales para entender la historia del arte del siglo XX.
En Madrid se reúnen un total de 78 obras, de las cuales 70 son obras pintadas por El Greco; las 8 restantes son pinturas cretenses del siglo XVI, realizadas "alla greca" por los artistas más importantes del momento (Klontzas, Damaskinós, Lambardos, etc.), y cuya presencia al inicio de la exposición permite ver la tradición cultural y artística en la que se formó Theotokópoulos y, al mismo tiempo, pone de manifiesto la originalidad de su propia producción en los años en que trabajó allí. En la exposición es posible contrastar obras como La Última Cena de Damaskinós, La Adoración de los Reyes de Lambardos o las tablas anónimas de La Dormición de la Virgen y San Lucas pintando el icono de la Virgen, con otras del mismo tema realizadas por El Greco: La Última Cena procedente de la Pinacoteca de Bolonia, La Adoración de los Reyes y el San Lucas pintando a la Virgen, ambas del Museo Benaki de Atenas, o La Dormición de la Virgen descubierta en 1983 en la isla de Syros y que por primera vez forma parte de una exposición dedicada a El Greco.
Por segunda vez desde su inicio, el programa de exposiciones Contextos propone un acercamiento a una obra de Pablo Picasso presente en la colección permanente; primero fue Arlequín con espejo, que inauguró la serie en 1995, y ahora el cuadro Corrida de toros. Junto a él puede verse en la muestra un magnífico conjunto de quince obras del mismo autor y sobre el mismo tema, las corridas de toros, que el artista malagueño realizó en la mitad de la década de los 30 y que se pueden considerar en algunos aspectos preludio del Guernica. El principal objetivo de la exposición, comisariada por Tomàs Llorens y patrocinada por la Fundación Caja Madrid, es poner de manifiesto la interpretación más profunda que Picasso realizó del mundo del toro, una interpretación que va más allá del puro choque, dolor o violencia física y que parece haberle llevado a considerar el rito de la corrida como una parábola del amor y de la muerte.
El objetivo de esta muestra es presentar el conjunto de obras que Joaquín Sorolla realizó para la Hispanic Society of America de Nueva York, el proyecto más importante de su vida y al que dedicó sus mayores esfuerzos; en él trabajó, casi exclusivamente durante ocho años.
En 1911 el fundador de la Hispanic Society, Mr. Archer M. Huntintong, encargó al pintor valenciano la decoración de una sala de grandes dimensiones en su sede neoyorkina. El resultado fue una serie de pinturas de gran formato, conocida con el título de Las regiones de España, que sintetizaba la visión de la España contemporánea a Sorolla, vista a través de sus ojos. La exposición, que después de presentarse en Madrid viajará al Museo de Bellas Artes de Valencia, muestra un completo conjunto de los estudios y bocetos que Sorolla realizó para dichos paneles, así como algunos retratos de españoles ilustres, encargados también por Huntington para decorar la biblioteca de la misma institución.
En esta exposición se ha reunido una de las series más intensas y extensas realizadas por el checo Frantisek Kupka, un pintor cuyo principal método de trabajo era incidir insistentemente sobre un mismo tema por medio de estudios seriados. La muestra reunió los dos óleos principales de la serie, Localización de móviles gráficos I, que pertenece a la colección permanente del Museo, y Localización de móviles gráficos II, procedente de la National Gallery of Art de Washington, así como un numeroso conjunto de estudios en papel de diversos museos y colecciones. Esta exposición, patrocinada por MoviStar con la colaboración del Grupo Ruiz Nicoli, permitió al público acercarse a la obra de un artista, quizás poco conocido y no suficientemente valorado, pero que fue pionero en el campo de la abstracción.
Paul Klee
24/06/1998 - 18/10/1998
El Museo Thyssen-Bornemisza y el IVAM Centre Julio González de Valencia han unido sus esfuerzos para la organización de la que fue la primera gran antológica del artista suizo Paul Klee en España. El proyecto, comisariado por Tomàs Llorens y Emmanuel Guigon, se presentó en primer lugar en la capital valenciana para viajar posteriormente a Madrid.
La exposición reúne una completa selección de obras, a través de las cuales se mostró un completo panorama de la carrera artística de Paul Klee, considerado uno de los creadores más originales e influyentes del siglo XX.
Esta exposición se enmarca perfectamente en la línea habitual del Museo de presentar muestras que giren en torno a movimientos, artistas o épocas especialmente representadas en la Colección Permanente y que contribuyan a enriquecer el panorama artístico español; de hecho, salvo algunas excepciones, los museos españoles carecen de obras de Paul Klee en sus fondos, mientras que este Museo posee cuatro obras maestras pertenecientes a distintos periodos y estilos de su trayectoria artística.
Schommer. El Museo vivo
18/06/1998 - 06/09/1998
Exposición de fotografía
La segunda exposición de fotografía celebrada en el Museo Thyssen-Bornemisza ofrece durante los meses de verano de 1998 un conjunto de veinte trabajos realizados por Alberto Schommer en las salas del Palacio de Villahermosa.
Las imágenes, realizadas como suele ser habitual en Schommer en blanco y negro, recogían la visión personal del artista sobre los visitantes del Museo y sobre las obras de arte que alberga. La mirada y la obra se interrelacionan creando, a su vez, una obra nueva y diferente, en la que tienen cabida los juegos de luz, la magia y el misterio.
La muestra, instalada en el hall central del Museo y con acceso gratuito, estuvo enmarcada en el primer Festival Internacional de Fotografía organizado por PhotoEspaña, que tuvo lugar en diversos espacios culturales situados en el eje de la Castellana.
Willem Kalf. Original y copia
31/03/1998 - 14/06/1998
Contextos de la Colección Permanente 5
La muestra, patrocinada por la Fundación Caja de Madrid, está dedicada al estudio de la obra de Willem Kalf, uno de los maestros holandeses del siglo XVII más significativos e influyentes dentro del género de los bodegones.
En esta ocasión, el interés se centra en destacar un aspecto poco estudiado de este pintor: su técnica, así como la de los numerosos seguidores que copiaron literalmente su obra. Para ello se ha reunido un conjunto de seis obras, tanto originales como copias de la época o posteriores. También se ofrece en la sala una selección del material obtenido en el estudio de restauración previo a la exposición y sus resultados.
Las conclusiones de este análisis aparecen en los textos incluidos en el catálogo, a cargo del comisario de la muestra, Sam Segal, especialista en el género del bodegón en la escuela holandesa del XVII, y Ubaldo Sedano, restaurador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza.
August Macke (1887-1914)
18/03/1998 - 31/05/1998
Con el patrocinio del Banco Urquijo, la exposición August Macke (1887 - 1914) ha sido organizada en colaboración con el Westfälisches Landesmuseum de Münster, donde meses atrás se había presentado una selección de cien acuarelas del artista.
Junto a estas obras, se ofrecen también al público español un grupo de óleos representativos de los distintos momentos creativos del pintor, con lo que la muestra se convierte en la primer
