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Hubert de Givenchy

Del 22 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015

Aforo limitado. Se recomienda la entrada anticipada



Autor:
Robert Doisneau
Título:
Hubert de Givenchy
Fecha:
1960
Ubicacion:
© Robert Doisneau

Impresionismo americano

Del 4 de noviembre de 2014 al 1 de febrero de 2015

Aforo limitado. Se recomienda la entrada anticipada



Autor:
Mary Cassatt
Título:
Otoño, 1880 (detalle)
Técnica:
Óleo sobre lienzo
Medidas:
92,5 x 65,5 cm

Ubicacion:
Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris, Petit Palais, París, PPP00706 © Petit Palais/Roger Viollet

Histórico de exposiciones

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    Carmen en las colecciones españolas Del 07 de octubre al 09 de noviembre de 2014

    Paralelamente a la programación de la zarzuela Carmen de Bizet en el Teatro de la Zarzuela, el Museo Thyssen-Bornemisza organiza una pequeña exposición de veinte obras dedicada al mito de Carmen a través de las colecciones españolas. La muestra ofrecerá al visitante la posibilidad de profundizar en la iconografía que ha rodeado a la siempre polémica figura de Carmen, desde los tiempos de la novela homónima de Prosper Mérimée, en 1845. Junto a pinturas del costumbrismo andaluz, figurarán obras de Gonzalo Bilbao -un boceto de sus famosas Cigarreras-, Ramón Casas y Picasso, autor del libro ilustrado Le Carmen des Carmen (1964). La muestra se completará con libretos y partituras del estreno de la ópera de Georges Bizet en formato Zarzuela en Madrid y Barcelona, en 1887 y 1890 respectivamente.

    Todos los sábados que dure la muestra, en el Salón de Actos del Museo se podrá contemplar asimismo un ciclo de cine con películas de Otto Preminger, Jean-Luc Godard y Carlos Saura, entre otros.

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    Alma-Tadema y la pintura victoriana en la Colección Pérez Simón Del 25 de junio al 12 de octubre de 2014

    Tras su paso por París y Roma, en junio llega al Museo Thyssen-Bornemisza la muestra Alma-Tadema y la pintura victoriana, una invitación a descubrir la sensualidad esteticista de algunos de los pintores más emblemáticos de la pintura inglesa del siglo XIX. Sir Lawrence Alma-Tadema, Edward Coley Burne-Jones, Sir Frederic Leighton, Albert J. Moore o Dante Gabriel Rossetti cultivaron en sus obras valores que ofrecían un fuerte contraste con las actitudes moralizantes de la época: la vuelta a la Antigüedad clásica, el interés por el desnudo, las suntuosas decoraciones y las referencias a los temas medievales, que habían heredado de los prerrafaelitas.
    La muestra, comisariada por Véronique Gerard-Powell, profesora de la Université Sorbonne París, reúne una selección de obras -algunas de las cuales son auténticos iconos del arte británico como Las rosas de Heliogábalo, de Alma-Tadema; Muchachas griegas recogiendo guijarros en el mar de Leighton; El cuarteto de Albert Moore o Andrómeda de Poynter, entre otros- pertenecen a la colección privada Pérez Simón una de la más importantes de pintura victoriana.

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    <miradas cruzadas> 9: Acabado / Inacabado Del 07 de julio al 21 de septiembre de 2014

    El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en su novena entrega de la serie una aproximación al concepto de “inacabado” en la pintura a través de catorce cuadros de la Colección Permanente y la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

    La exposición –organizada en torno a los géneros tradicionales de la pintura de historia, el paisaje y el retrato- incluye obras de factura abocetada tanto de maestros antiguos como modernos. En ella se podrán encontrar desde esbozos de Rubens, Tiepolo, Géricault y Delacroix, y un estudio al aire libre de Matisse, a composiciones de Manet, Cézanne, Van Gogh, Heckel y Kokoschka.

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    Mitos del Pop Del 10 de junio al 14 de septiembre de 2014

    El Museo Thyssen-Bornemisza presenta Mitos del pop, la primera exposición en Madrid desde la muestra arte pop del Museo Reina Sofía de 1992. Más de veinte años después, la comisaria Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen, propone una visión renovada de esta corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI. Con una selección de más de cien obras, que incluyen tanto la experiencia pionera del pop británico como el pop clásico norteamericano y su expansión por Europa, la muestra pretende rastrear las fuentes comunes del pop internacional y realizar una revisión de los mitos que tradicionalmente han definido al movimiento. El objetivo es mostrar que las míticas imágenes de artistas tan significativos como Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o Equipo Crónica, entre otros muchos, esconden un irónico y novedoso código de percepción de la realidad, un código que aún sigue vigente en el arte de nuestros días. La exposición cuenta con la colaboración de Japan Tobacco International (JTI) y reúne obras procedentes de más de cincuenta museos y colecciones particulares de todo el mundo, con préstamos destacados de la National Gallery de Washington, la Tate de Londres, el IVAM valenciano o la prestigiosa colección Mugrabi de Nueva York, por citar solo algunos.

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    <miradas cruzadas> 8: Nocturnos Del 24 de marzo al 29 de junio de 2014

    La octava entrega de la serie <miradas cruzadas> se asoma a la historia del paisaje nocturno con una selección de diez obras de las colecciones Permanente y Carmen Thyssen-Bornemisza. Escenas de noche cerrada, pero también de las horas fronterizas del crepúsculo y el alba, de Van de Neer, Vernet, Friedrich, Grimshaw, Cole, Bierstadt, Nolde, Puigaudeau, O’Keeffe y Delvaux, se exponen ahora juntas en el balcón mirador de la primera planta, con acceso directo y gratuito desde el hall central.

    La noche ha planteado siempre un desafío a los pintores, que han cuestionado las posibilidades de la oscuridad para convertirse en un tema visual convincente. Asociada antiguamente a imágenes negativas, como la muerte y el peligro, su representación ha evolucionado en la historia de la pintura en un intento por atenuar esos terrores, embelleciendo la oscuridad con una luz tranquilizadora. Desde Aert van der Neer, el gran especialista en lunas de la pintura holandesa del siglo XVII, a la noche moderna de Georgia O’Keeffe, la muestra presenta diez escenas nocturnas en las que puede apreciarse cómo los artistas van descubriendo que la noche tiene sus propios colores diferentes de los del día.

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    Darío de Regoyos (1857-1913) Del 18 de febrero al 01 de junio de 2014

    Con motivo del centenario del fallecimiento del pintor español Darío de Regoyos, el Museo acogerá una exposición que recorre su amplia trayectoria artística. Regoyos inició su formación en Madrid, aunque rápidamente se trasladó a Bruselas, donde formó parte de los grupos europeos de vanguardia L’Essor y Les XX y se interesó por los efectos de la luz, pintando principalmente retratos y paisajes. Su vuelta a España y sus viajes por toda su geografía dieron lugar a un nuevo periodo en su pintura, “La España negra”, una serie de obras más simbolistas en las que muestra el lado más sombrío de la tradición española. Posteriormente, y gracias a su amistad con artistas como Seurat, Signat y Pissarro, conoció y comenzó a aplicar la técnica puntillista, aunque su etapa más conocida es la impresionista, a la que la exposición prestará una especial atención con un importante número de obras. Producida por el Museo de Bellas Artes de Bilbao y comisariada por Juan San Nicolás, especialista en el pintor, la muestra se presentará a finales de 2013 en Bilbao para viajar en febrero de 2014 a Madrid y a continuación, en una versión reducida, al Museo Carmen Thyssen de Málaga.

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    Cézanne site/non-site Del 04 de febrero al 18 de mayo de 2014

    La primera exposición de 2014 estará dedicada a una figura fundamental en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX, Paul Cézanne (1839-1906), considerado el padre del arte moderno. Guillermo Solana, director artístico del Museo, es el comisario de esta muestra -la primera monográfica sobre el artista organizada en España en los últimos treinta años-, que explorará la relación entre dos géneros que el pintor frecuentó con la misma pasión: los paisajes y las naturalezas muertas. Al igual que los impresionistas, Cézanne pinta sus paisajes al aire libre, sin embargo sus obras carecen de estaciones y horas del día, y los motivos de la naturaleza están colocados en una suerte de puesta en escena. De manera inversa, el pintor francés incorpora en sus bodegones los cambios y tensiones propios de la naturaleza, y los objetos que tradicionalmente transmiten estabilidad se apoyan los unos en los otros en un equilibrio precario.

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    Hércules en la corte de Onfalia, Hans Cranach. Restauración y estudio técnico Del 29 de enero al 30 de marzo de 2014



    El hall del Museo acoge hasta el 2 de marzo 2014 la presentación del cuadro Hércules en la corte de Onfalia (1537) tras el proceso de restauración y estudio técnico al que ha sido sometido durante los últimos meses y que se ha llevado a cabo gracias al patrocinio de Embajada de la República Federal de Alemania en España. Junto a la obra restaurada, se presentan también imágenes del antes y el después de los trabajos, así como un video con los detalles de la intervención, análisis de materiales, Rayos-X, reflectografía infrarroja y fotografías ultravioleta y de alta resolución.

    Tras el estudio científico previo, el tratamiento realizado ha consistido principalmente en la limpieza del cuadro, eliminando la capa de barniz que había amarilleado con el paso del tiempo, así como la corrección de antiguos retoques y repintes, y la consolidación del soporte y de la capa pictórica. Como resultado, se puede contemplar ahora la obra totalmente renovada, tal y como fue concebida por su autor, Hans Cranach, con una mayor sensación de profundidad y con el rico colorido y los delicados matices que permanecían ocultos bajo las capas alteradas.

    Publicación interactiva sobre el proyecto

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    El Greco. De Italia a Toledo. Estudio técnico de las obras de la Colección Thyssen-Bornemisza Del 10 de enero al 02 de marzo de 2014



    Con motivo del 400 aniversario de la muerte de El Greco, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta la exposición El Greco. De Italia a Toledo, en la que se muestran los resultados de los estudios técnicos realizados por el Área de Restauración sobre las cuatro obras del artista pertenecientes a la colección: La Anunciación, c. 1576; Cristo abrazando la cruz, c. 1587-1596; La Anunciación, c. 1596-1600 y La Inmaculada Concepción, c. 1608-1614.

    La posibilidad de estudiar estas pinturas, correspondientes a diferentes momentos de su producción artística, y realizadas en diferentes ámbitos, supone una ocasión excelente para profundizar en la evolución técnica y conceptual del pintor en dos etapas de su vida, bien diferenciadas, entre las que median aproximadamente dos décadas.

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    El surrealismo y el sueño Del 08 de octubre de 2013 al 12 de enero de 2014

    El Surrealismo no fue un movimiento artístico más, sino una actitud ante la vida que ha dejado una marcada huella en todo el arte posterior. Esta exposición mostrará, por vez primera, cómo esa huella, esa transformación de la sensibilidad contemporánea, tiene su raíz más profunda en la vinculación surrealista entre sueño e imagen. Pinturas, dibujos, collages, esculturas y fotografías de artistas como André Breton, Salvador Dalí, Paul Delvaux, Yves Tanguy, Renée Magritte, André Masson, Max Ernst, Jean Arp, Claude Cahun y Paul Nougé, entre otros, servirán para aproximarse de manera monográfica a esta sugestiva relación que propone el filosofo y crítico de arte José Jiménez, comisario de la muestra, y a la que se ha prestado una escasa atención en el ámbito artístico. Los surrealistas reivindicaron desde un primer momento el sueño, junto a la escritura automática, como una de las vías fundamentales de la liberación de la psique. Aunque los planteamientos de Sigmund Freud, y en particular su gran obra La interpretación de los sueños (1900), resulten decisivos para sus aproximaciones al mundo onírico, no se limitaron a ser meros seguidores de Freud. Para ellos, el sueño era un plano de experiencia diferente al de la vida consciente, cuyo conocimiento incidía de modo especial en el enriquecimiento y ampliación del psiquismo.

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    <miradas cruzadas> 7: El ritmo de la tierra. Paisaje holandés del siglo XVII y americano del siglo XIX Del 24 de septiembre de 2013 al 06 de enero de 2014

    La historiadora del Arte Barbara Novak ya planteó en 1980 la influencia del paisaje holandés del Siglo de Oro sobre la pintura norteamericana del siglo XIX. Ambas escuelas, con diferentes estilos y lenguajes artísticos, eligieron el paisaje como género pictórico fundamental de sus obras, convirtiéndolo los primeros en un tema independiente y los segundos en un medio de expresión de profundos sentimientos. Esta nueva instalación de la serie <miradas cruzadas> presentará una selección de diez obras de las destacadas colecciones del Museo que permitirá comparar distintas interpretaciones del paisaje de artistas holandeses como Philips Koninck, Jan Josephsz. van Goyen y Jan Jansz. van der Heyden, y americanos como William Louis Sonntag, George Henry Durrie y Albert Bierstadt, entre otros.

    Folleto de la exposición

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    Pissarro Del 04 de junio al 15 de septiembre de 2013

    En el verano de 2013, el Museo Thyssen-Bornemisza presentará la primera exposición monográfica en España del pintor impresionista Camille Pissarro (1830-1903). Figura fundamental del Impresionismo -fue redactor de su carta fundacional y el único que participó en las ocho exposiciones impresionistas, de 1874 a 1886-, quedó sin embargo eclipsada por la gran popularidad de sus amigos y compañeros, principalmente Claude Monet. Con más de 70 obras, esta exposición buscará restaurar su reputación, presentándolo como uno de los grandes pioneros del arte moderno. El paisaje, género que domina en su producción, centrará el recorrido de la muestra, visitando cronológicamente los lugares donde residió y pintó: pueblos como Louveciennes, Pontoise y Éragny, pero también ciudades como París, Londres, Rouen, Dieppe y Le Havre, pues, aunque su obra se asocie habitualmente a la vida rural, a la que dedicó más de tres décadas, en sus últimos años se trasladó al medio urbano, y su producción de entonces está dominada por las vistas de ciudades. La exposición está comisariada por Guillermo Solana y se presentará posteriormente en la sede de CaixaForum en Barcelona.

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    <miradas cruzadas> 6: Reflejos. De Van Eyck a Magritte Del 10 de junio al 15 de septiembre de 2013

    La recreación de superficies reflectantes entre los objetos de un cuadro ha sido un motivo constante en la pintura que, ya desde el siglo XV, tiene fascinados a un gran número de artistas por las posibilidades pictóricas que ofrece. Este juego entre la imagen real y la reflejada es el tema elegido para una nueva instalación de obras de la Colección Permanente en la que maestros antiguos y modernos vuelven a convivir en una misma sala. En esta nueva entrega de <miradas cruzadas>, artistas de distintas épocas demuestran su dominio de la técnica al servirse de metales, cristales y espejos para reflejar detalles que han quedado fuera del cuadro o que permanecen ocultos en la escena representada y aprovechan incluso, en un alarde narcisista, para retratarse a ellos mismos pintando detrás del caballete. Se trata de un juego visual que queda patente en este nuevo montaje y que cuestiona al propio observador de la obra sobre qué es realidad y qué es reflejo dentro de cada lienzo.

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    Hiperrealismo 1967-2012 Del 22 de marzo al 09 de junio de 2013

    A finales de los años 1960 surgió en  Estados Unidos un grupo de artistas que pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de sus obras. La consagración del movimiento tuvo lugar con su exposición en la Documenta de Kassel en 1972. La exposición que presenta ahora el Museo Thyssen-Bornemisza plantea, por primera vez, una genealogía del Hiperrealismo desde los grandes maestros norteamericanos de la primera generación, como Richard Estes, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, Chuck Close o Robert Cottingham, a su continuidad en Europa y al impacto en pintores de generaciones posteriores, hasta la actualidad. El Hiperrealismo no es un movimiento cerrado; hoy, más de cuarenta años después de su aparición, continúan en activo muchos de los pioneros del grupo y nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones. Herramientas y motivos han evolucionado o cambiado con el tiempo pero, con su increíble definición, nitidez y detallismo, las obras hiperrealistas continúan fascinando al público.

    Procedentes de diversos museos y colecciones particulares, esta retrospectiva reúne 66 obras de tres generaciones de artistas; está organizada por la el Institut für Kulturaustausch (Instituto para el Intercambio Cultural de Alemania) y comisariada por su director, Otto Letze. La Kunsthalle de Tubinga (Alemania) ha sido la primera escala de un recorrido que llevará la muestra a varias ciudades europeas; en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid podrá verse hasta el 9 de junio y, posteriormente, viajará al Birmingham Museum & Art Gallery (Reino Unido). Ofrecer al público europeo una completa panorámica de la aportación del Hiperrrealismo a la historia del arte es el principal objetivo de este proyecto, ya que nunca hasta ahora se había organizado una retrospectiva tan amplia en Europa y sólo en contadas ocasiones se ha podido disfrutar aquí de las obras de este movimiento en su conjunto.

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    <miradas cruzadas> 5: Juego de interiores. La mujer y lo cotidiano Del 26 de febrero al 02 de junio de 2013

    La quinta entrega de la serie <miradas cruzadas> está dedicada a la representación del intimismo en la pintura. Juego de interiores. La mujer y lo cotidiano reúne una selección de diez obras de las colecciones permanentes del Museo que comparten el gusto artístico por retratar asuntos de la vida cotidiana, familiar o íntima. Relacionadas temática o formalmente pero de épocas y procedencias diversas, el diálogo entre ellas permite mostrar parte de la evolución de un género desde la Holanda del siglo XVII, cuando estos espacios alcanzaron su independencia como género pictórico, pasando por la pintura francesa del XVIII, donde se popularizaron las imágenes de figuras femeninas en el marco de sus estancias privadas, a la descripción de escenas domésticas del siglo XIX y principios del XX.
    Esta instalación puede verse en la sala mirador de la primera planta, con acceso directo desde el hall central. La entrada es gratuita.

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    Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh. Del 05 de febrero al 12 de mayo de 2013

    Analizar el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX es el objetivo principal de esta exposición. En general, tendemos a relacionar la pintura al aire libre con el impresionismo pero, cuando Monet, Renoir, Sisley o Pissarro empezaron a exponer sus obras en el estudio del fotógrafo Nadar, en 1874, la pintura en plein air llevaba ya casi un siglo de desarrollo. Los estudios al aire libre constituyeron, de hecho, parte fundamental de la formación del pintor de paisajes desde fines del siglo XVIII. Más tarde, convertida en eje del naturalismo, su potencialidad renovadora se extendió hasta finales del siglo XIX. La muestra reunirá alrededor de 100 obras en un arco cronológico que va desde 1780 hasta 1900, aproximadamente; desde los iniciadores del paisaje al aire libre, como Pierre-Henri de Valenciennes y Thomas Jones, a artistas como Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny y todos los grandes maestros del impresionismo, hasta llegar al cambio de siglo con Van Gogh o Cézanne, entre otros muchos nombres imprescindibles. Su comisario es Juan Ángel López, conservador de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

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    El arte de Cartier Del 24 de octubre de 2012 al 17 de febrero de 2013

    Cerca de 400 piezas de la colección histórica de la mítica firma francesa de joyería Cartier podrán verse en el Museo Thyssen-Bornemisza a partir de octubre de 2012. Una completa selección de las mejores piezas que la propia casa Cartier ha ido recomprando a lo largo de los años, para mostrar toda su producción y los diversos estilos artísticos en la primera mitad del siglo XX: desde las grandes tiaras y el estilo guirnalda de principios de siglo, a las piezas Modern Style, las obras de inspiración exótica (China, Egipto o India, como las famosas piezas Tutti Frutti), la joyería en oro de los años 1930 y 1940, o los exclusivos encargos para importantes personajes del siglo XX como Wallis Simpson, Grace Kelly, María Félix, Elizabeth Taylor o Coco Chanel. Una gran exposición que ofrecerá al público la ocasión única de conocer la mejor colección de joyería del mundo, y admirar la creatividad y maestría de sus diseñadores y artistas joyeros desde hace más de cien años.

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    <miradas cruzadas> 4: Freud / Watteau Del 20 de noviembre de 2012 al 17 de febrero de 2013

    El 26 de julio de 1981, el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza acudió por primera vez al estudio londinense de Lucian Freud para iniciar las largas e incontables sesiones de posado para el primero de los dos retratos que el artista realizaría del prestigioso coleccionista. Este es el punto de partida de la cuarta entrega de <miradas cruzadas>, una serie de nuevas instalaciones con obras de las colecciones que, con motivo del 20 aniversario, ha venido presentando el Museo. Este último montaje del año pone el broche de oro a doce meses de celebraciones, ya que la figura del propio Barón Thyssen -uno de los más tempranos admiradores del pintor inglés- es el eje sobre el que se articula la relación entre dos grandes artistas: Lucian Freud y Jean-Antoine Watteau.
    En esta ocasión, la instalación incluye además dos obras invitadas: Retrato del barón H.H.Thyssen-Bornemisza (Hombre en una silla) (1985) y Dibujo de Gran interior W11 (según Watteau) (1983), préstamos de colecciones privadas. Acompañarán en la sala mirador de la primera planta a otros dos cuadros de Freud y uno de Watteau pertenecientes al Museo: Retrato del barón H.H.Thyssen-Bornemisza, (1981-1982), Reflejo dorado con dos niños (Autorretrato) (1965) y Pierrot contento (c.1712). Esta instalación puede verse en la sala mirador de la primera planta, con acceso directo desde el hall central. La entrada es gratuita.

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    Gauguin y el viaje a lo exótico Del 09 de octubre de 2012 al 13 de enero de 2013

    La huida de Paul Gauguin a Tahití, donde reconquistó el primitivismo a través del exotismo, es el hilo conductor de esta exposición que, mediante una amplia selección de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, descubrirá de qué forma el viaje hacia mundos supuestamente más auténticos produjo una transformación del lenguaje creativo, y en qué medida esta experiencia condicionó la transformación del modernismo. El itinerario que propone Paloma Alarcó, jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza y comisaria de la muestra, mostrará al visitante los frutos de las exploraciones artísticas de Gauguin, Matisse, Kandinsky, Klee o Macke, entre otros, así como la impronta de Gauguin en los expresionistas alemanes y los fauves franceses, poniendo así de manifiesto cómo la figura de Gauguin se alza como el creador de un nuevo canon exótico que sirvió de arranque de los lenguajes de la modernidad de las primeras décadas del siglo XX.

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    Orientalismos en las colecciones Thyssen-Bornemisza Del 11 de septiembre al 11 de noviembre de 2012

    La tercera entrega de esta serie de nuevas instalaciones de las obras de la Colección, incluidas en las actividades organizadas para celebrar el 20 aniversario del Museo, se centrará en los diferentes modos de representación de Oriente y lo exótico. A partir del siglo XVIII, lo oriental es visto no solo como un estímulo para la imaginación creadora sino como una forma moderna de enfrentarse a la vida. Se trata de un Oriente sin límites precisos, incluso a veces imaginado, que responde tanto a una necesidad de nuevas fuentes de inspiración artística como a la atracción por lo exótico como algo diferente y extraño. Un retrato de grupo de Johan Zofanny, realizado en la India a una familia de funcionarios de la Corona británica o uno de los «cuadros turcos» de Antonio Guardi con escenas de la vida de la corte en Constantinopla, dos obras de estética oriental de Eugéne Delacroix, además de dos escenas femeninas de influencia japonesa de William Merrit Chase o la representación de un harén de August Macke, son algunas de las obras que componen este juego de miradas cruzadas sobre Oriente.

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    Hopper Del 12 de junio al 16 de septiembre de 2012

    La exposición Hopper será fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France; dos instituciones particularmente representativas pues, por un lado, París y las obras del comienzo del siglo XX son referencias fundamentales para Edward Hopper en sus primeros años y, por otro, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid alberga la colección más importante de su obra fuera de los Estados Unidos. A pesar de su gran popularidad y aparente facilidad, las obras de Hopper son uno de los fenómenos más complejos del arte del siglo XX, así lo consideran los dos comisarios de la muestra, Tomàs Llorens (Director honorario del Museo Thyssen-Bornemisza) y Difier Ottinger (Director adjunto del MNAM/Centre Pompidou). Para mostrarlo, la exposición estará organizada en dos partes: una primera mitad que recorrerá la formación del artista, aproximadamente de 1900 a 1924 y representada por un gran cantidad de bocetos, pinturas, dibujos, ilustraciones, grabados y acuarelas que dialogan puntualmente con obras de artistas como Winslow Homer, Robert Henri, John Sloan, Edgar Degas o Walter Sickert; y una segunda parte, a partir de 1925, que presentará su producción madura y que buscará ilustrar su carrera de la forma más completa y amplia posible. Para ello, esta sección combinará grupos temáticos -los motivos y temas más recurrentes en su trabajo- con una narrativa organizada cronológicamente.

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    Rostros y manos: pintura germánica antigua y moderna Del 22 de mayo al 02 de septiembre de 2012

    La segunda entrega de esta serie de exposiciones, incluidas en las actividades organizadas para celebrar el 20 aniversario del Museo, traslada la atención a los países germánicos. Rostros y manos: pintura germánica antigua y moderna presentará una decena de obras de las colecciones Permanente y Carmen Thyssen-Bornemisza, firmadas por artistas como Alberto Durero, Lucas Cranach el Joven, Otto Dix y Max Beckmann, entre otros. Este nuevo montaje propondrá a los visitantes descubrir la relación existente entre dos épocas en las que la representación de la figura humana jugó un papel fundamental: el Renacimiento alemán y el Expresionismo y la Nueva Objetividad. Tanto en el Renacimiento como en el siglo XX, tras la guerra, los artistas alemanes se interesaron por el hombre y su imagen, así como por su exaltación a través del arte. Para estos ideales el retrato era el vehículo perfecto, lo que contribuyó al gran auge que tuvo en ambas épocas.

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    El Paraíso de Tintoretto en restauración. Estudio Técnico. Del 10 de julio al 02 de septiembre de 2012

    Salas Moneo. Sótano primero.

    Acceso gratuito

    Con motivo de la celebración del 20 Aniversario, el Museo ha emprendido el estudio técnico y la restauración de una de las grandes obras de la Colección Thyssen-Bornemisza: El Paraíso de Tintoretto. El lienzo se encuentra instalado en el hall central, donde los restauradores trabajan, por primera vez, a la vista del público para garantizar la conservación de la obra y recuperar su equilibrio estético. Al mismo tiempo, una exposición presenta los procedimientos y técnicas utilizados en esta actuación y, a través de macrofotografías, radiografías y reflectografías infrarrojas, facilita al visitante la interpretación de los resultados obtenidos.

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    Visiones de la India. Pinturas del sur de Asia del San Diego Museum of Art Del 28 de febrero al 27 de mayo de 2012

    La Colección Binney de pintura india del San Diego Museum of Art (EE.UU.) es una de las más importantes de arte surasiático de los siglos XII al XIX. Una selección de 105 piezas de pintura, grabados y manuscritos, que se presentan en Europa por primera vez, permitirá al visitante conocer la obra realizada por los artistas locales para soberanos y comerciantes persas, centroasiáticos y europeos que llegaron a la India durante esos siglos, y comprobar su extraordinaria capacidad para adaptarse y modificar su estilo tradicional sin perder el carácter inconfundiblemente indio. El recorrido se organizará en cuatro secciones, empezando por la producción autóctona india, que contrasta con la pintura que se hará para clientes extranjeros a partir del siglo XV; una sección dedicada a la iluminación de libros de poesía persa, y una tercera que mostrará el nacimiento y desarrollo del nuevo estilo que surge de la confluencia de estas dos tradiciones, ya en el siglo XVI y bajo el dominio del Imperio Mogol; el último apartado reunirá la pintura realizada para los comerciantes y funcionarios británicos vinculados a la Compañía de la India Oriental, una clientela que, como consecuencia de la Ilustración, se siente muy interesada por conocer el mundo natural y recurren al talento de los pintores de corte indios para que reproduzcan con todo detalle la flora, la fauna y la gente de la India.

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    Chagall Del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012

    Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y comisariada por Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, esta exposición será la primera gran retrospectiva dedicada al artista ruso en España y, como principal objetivo, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte. Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941. En las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en el período americano y en su evolución artística posterior; se insistirá en los asuntos bíblicos que preocupaban al artista y en su relación con los poetas contemporáneos, además de presentar distintas obras de escultura y cerámica.

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    Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa Del 07 de febrero al 06 de mayo de 2012

    Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Museo Thyssen-Bornemisza pone en marcha una nueva actividad expositiva que, con el título genérico de Miradas cruzadas, presentará periódicamente una novedosa instalación temporal de obras procedentes de sus colecciones. Para inaugurar el ciclo, a partir del 7 de febrero y coincidiendo también con ARCO 2012 dedicado este año a los Países Bajos, la muestra Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa propondrá un diálogo visual entre las pinturas de Piet Mondrian y sus colegas Theo van Doesburg y Bart van der Leck, con algunas obras maestras del Siglo de Oro holandés. Esta confrontación permitirá apreciar la proximidad conceptual entre el arte de los miembros de De Stijl y la tradición artística holandesa, que comparten una misma visión utópica de la pintura.

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    Berthe Morisot: La pintora impresionista Del 15 de noviembre de 2011 al 12 de febrero de 2012

    Gracias a un importante acuerdo de préstamo con el Musée Marmottan Monet de París, el Museo Thyssen-Bornemisza presentará en otoño, y por primera vez en España, una exposición monográfica dedicada a la artista impresionista Berthe Morisot. Casada con Eugène Manet, hermano de su maestro, Édouard Manet, fue la primera pintora en unirse al Impresionismo, participando en la ya mítica Primera Exposición Impresionista, en 1874, y en otras posteriores. Más de treinta obras procedentes del Marmottan Monet, junto a otras pertenecientes a las colecciones Thyssen, permitirán descubrir una pintura que, ya sea a través de paisajes o de escenas cotidianas y femeninas, destila elegancia y luminosidad. Su vida y su obra permiten acercarse también al papel de la mujer en la Francia de finales del siglo XIX. Porque Berthe Morisot no sólo fue una gran creadora, sino también una mujer burguesa, urbana, preocupada por la moda y una activa animadora cultural, que apoyó a intelectuales y artistas como Manet, Renoir, Monet, Pissarro, Degas o Mallarmé. En palabras de Paul Valery: “La peculiaridad de Berthe Morisot es haber vivido su pintura y haber pintado su vida”.

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    Arquitecturas pintadas Del 18 de octubre de 2011 al 22 de enero de 2012

    Las arquitecturas pintadas fueron una de las opciones elegidas por muchos artistas para resaltar las escenas y los episodios representados en sus cuadros. Estos fondos arquitectónicos serán el hilo conductor de esta exposición, que abarcará desde el siglo XIV al XVIII. El proyecto se detendrá tanto en aspectos generales, con el fin de mostrar al público la evolución de estos decorados, como en el abanico de matices que contribuiría a su independencia como género, ya en el siglo XVII.

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    Vanguardias rusas en las colecciones Thyssen-Bornemisza Del 15 de febrero de 2011 al 08 de enero de 2012

    Instalación especial de las obras de las Vanguardias rusas de la colección permanente del Museo Thyssen-Bornemisza y de la colección Carmen Thyssen.

    Ubicación: salas 42 y 43 de la planta baja.

    El Museo Thyssen-Bornemisza conserva la más importante colección de arte soviético de vanguardia en España. Coincidiendo con la Feria de Arte Contemporáneo ARCO 2011, que se celebrará en Madrid del 16 al 20 de febrero y que tiene a Rusia como país invitado, nuestro museo presentará una nueva instalación de las colecciones de las denominadas “vanguardias rusas” en las salas 42 y 43 de la planta baja del palacio de Villahermosa.

    Durante las primeras décadas del siglo XX, la Rusia imperial -que pronto iba a convertirse en Unión Soviética-, experimentó una profunda transformación de su sociedad y una efervescencia cultural sin precedentes. La vida artística rusa se llenó de exposiciones programáticas, encendidos manifiestos y declaraciones teóricas, al tiempo que se sucedían numerosos movimientos de vanguardia, algunos derivados de las influencias foráneas, como el cubofuturismo o el rayonismo, y otros genuinos de la nueva Rusia revolucionaria, como el suprematismo o el constructivismo.

    El visitante al Museo podrá familiarizarse con todos estos movimientos a través de un conjunto de treinta y cinco obras de artistas tan emblemáticos como Chagall, Larionov, Goncharova, Stepanova, Popova, Kliun, Lissitzky o Kandinsky.

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    Matta: El cubo abierto. Nueva instalación de la Colección Permanente Del 09 de septiembre al 01 de noviembre de 2011


    Nueva instalación de la Colección Permanente.
    Sala de Exposiciones Contexto en el Balcón-Mirador de la Planta Primera.
    Entrada libre.

    La nueva instalación de los cinco grandes lienzos del ciclo L’Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante) de Matta perteneciente a la colección del Museo reproducirá el modo en que el artista los montó en su primera presentación al público en la Galerie Alexandre Iolas de París en 1966.

    El artista chileno presentó esta serie con su sistema de “cubo abierto”, una especie de políptico de la era contemporánea con que creaba una caja destinada a envolver al espectador. Dos de ellos se mostraban horizontalmente suspendidos en el techo, cerrando el espacio creado por los otros tres. Con este espectacular montaje, Matta conseguía sumergir al espectador en su universo pictórico, un universo hermético y alucinatorio, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas.

    Cuarenta y cinco años más tarde y con motivo del centenario del nacimiento del artista, que se conmemora en 2011, el ciclo se volverá a presentar en su esplendor original.

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    Antonio López Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011

    En el verano de 2011, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid acogerá en su sala de exposiciones temporales una completa representación de la obra del artista español Antonio López (Tomelloso, 1936), que incluirá tanto óleos como dibujos y esculturas, de algunos de sus temas más habituales, como son los interiores o la figura humana, sus paisajes y vistas urbanas, principalmente de Madrid, o sus composiciones frutales. Antonio López busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra, y lo hace con una elaboración lenta y meditada, buscando captar la esencia del objeto o paisaje representado.

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    Encuentros. Escenas religiosas de los siglos XIV al XVIII en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza Del 02 de agosto al 04 de septiembre de 2011


    Selección de obras de la Colección Permanente.
    Sala de Exposiciones Contexto en el Balcón-Mirador de la Planta Primera.
    Entrada libre.

    Con ocasión de la celebración de la Jornada Mundial de la Juventud que tendrá lugar en Madrid del 16 al 21 de agosto, el Museo Thyssen-Bornemisza organizará una exposición que reunirá una selección de pinturas de gran calidad procedentes de los fondos de la Colección Permanente de Pintura Antigua. Las obras, que abarcan cronológicamente desde el siglo XIV al siglo XVIII, ilustran diversos encuentros de Cristo en tres etapas de su vida.

    Entre las obras expuestas, los visitantes podrán admirar la tabla Cristo y la samaritana, obra de Duccio di Buoninsegna, gran maestro de la pintura sienesa del siglo XIV, y compararla con este mismo encuentro descrito por Il Guercino, destacado pintor del Seicento cuya composición desprende gran naturalismo y serenidad. Dentro de la escuela de pintura italiana destaca la pareja de lienzos de Giovanni Paolo Panini, La expulsión de los mercaderes del templo y La piscina probática, pintados en Roma hacia 1724 y cuyas escenas, con numerosos grupos de personajes, se organizan en el marco de monumentales arquitecturas.

    Las escuelas del Norte estarán bien representadas en la exposición. Uno de los primeros encuentros es el tema de la tabla de Durero Jesús entre los doctores, considerada una de las obras maestras de la Colección tanto por su técnica como por la originalidad de su composición. Mientras que el cobre de Jan Brueghel I narra el milagro de Cristo en la tempestad del mar de Galilea en un paisaje de gran realismo y paleta cromática muy viva. Dos escenas de interior describen otros instantes del proceder del Salvador como son los casos de Marinus van Reymerswaele con La vocación de san Mateo y Matthias Stom con su lienzo La Cena de Emaús, cuya técnica de claroscuro recuerda el estilo de la pintura de Caravaggio.

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    Heroínas Del 08 de marzo al 05 de junio de 2011

    La exposición Heroínas abordará la representación de la mujer en roles activos y la crisis de identidad de género en el arte occidental en un amplio arco cronológico, que abarca desde el Renacimiento hasta la actualidad. En nuestra tradición artística, la imagen de la mujer se ha visto reducida con demasiada frecuencia a dos modelos dominantes y complementarios: la maternidad y el papel de objeto sexual. Junto a ellos, han surgido, sin embargo, otros en los que la figura femenina se emancipa de su papel pasivo y sumiso para convertirse en sujeto de la acción: la caza y el ejercicio atlético, la guerra, el poder político, la magia o la religión, entre otros.

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    Jean–Léon Gérôme (1824-1904) Del 15 de febrero al 22 de mayo de 2011

    La exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904) es resultado de un ambicioso proyecto conjunto entre el J. Paul Getty Museum, el Musée d’Orsay y el Museo Thyssen-Bornemisza y que supone la primera gran exposición monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, fundamentándose en los estudios en profundidad y catalogaciones que sobre la obra del artista ha venido realizando la historiografía más reciente. En la primavera de 2011 recalará en Madrid una versión reducida de la gran retrospectiva presentada en Los Ángeles y París a lo largo de 2010, pudiéndose contemplar una selección de 55 piezas entre sus obras más emblemáticas. Los óleos y esculturas que se presentan nos permiten conocer todos los puntos claves de este creador de imágenes y así profundizar en su concepción teatralizada de la pintura de historia, en el realismo y el gusto por el detalle de sus trabajos de tema oriental, así como del uso de la policromía en su producción escultórica.

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    Jardines impresionistas Del 16 de noviembre de 2010 al 13 de febrero de 2011

    La exposición Jardines impresionistas trazará el desarrollo de la pintura impresionista de jardines incluyendo no sólo obras de todas las grandes figuras del Impresionismo, sino también de sus precursores, entre ellos Delacroix, Corot o Courbet, así como artistas posteriores como Klimt o Sargent. Gracias a la introducción de cientos de plantas y especies de flores “nuevas” procedentes de Asia, África y América, así como a la inauguración de los parques reales, los jardines gozaron de gran popularidad en Francia desde la década de 1860. Con su gusto por el color, los efectos al aire libre y los temas de la vida moderna, los pintores impresionistas y sus seguidores no fueron ajenos a esa tendencia, y volvieron su mirada, de forma natural, hacia los jardines en busca de inspiración.

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    Mario Testino. Todo o Nada Del 21 de septiembre de 2010 al 09 de enero de 2011

    El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, por primera vez en España, la obra del fotógrafo peruano Mario Testino. La exposición consta de 54 obras que muestran tanto su faceta como fotógrafo de moda -con imágenes realizadas para revistas como Vogue, Vanity Fair, V Magazine, Allure o The Face-, como fotografías más personales e impresiones realizadas para esta muestra. Combinando la fotografía analógica con los últimos avances en tecnología digital, el artista muestra el proceso y todas las implicaciones que supone la acción de desnudarse. Desde el glamour de las top model y celebrities vestidas con trajes de alta costura, hasta mostrar su belleza sin ropa. Son las diferentes caras del mundo de la moda que reflejan a la perfección la relación del fotógrafo con sus modelos y su icono de mujer, la “mujer Testino”, una mujer fuerte e independiente que se mueve en extremos completamente opuestos, Todo o nada, y que el fotógrafo ha definido y redefinido a lo largo de toda su carrera.

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    Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia Del 23 de junio al 10 de octubre de 2010

    La exposición ofrece al público un recorrido irrepetible por el arte florentino del Quattrocento que tiene, como punto de partida, uno de los iconos de la colección del Museo: el retrato de Giovanna Tornabuoni. En este contexto, se analiza el tema del retrato en la Florencia del siglo XV, con obras de Botticelli o Pollaiuolo además de Ghirlandaio, y se contemplan piezas maestras relacionadas con el enlace matrimonial entre Giovanna degli Albizzi y Lorenzo Tornabuoni. La muestra, por último, dedica un importante apartado al arte religioso desplegado en el ámbito privado donde se reune no sólo pintura sobre tabla sino también esculturas, manuscritos y otros objetos artísticos de altísima calidad.

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    Monet y la abstracción Del 23 de febrero al 30 de mayo de 2010

    Monet y la abstracción pretende explorar el papel central de este gran pintor impresionista en el desarrollo de la abstracción tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, un tema hasta ahora apenas analizado. A través de un recorrido por la obra de Monet, que abarcará desde sus etéreos paisajes hasta las monumentales representaciones de su jardín de Giverny, donde pasó los veinte últimos años de su vida, la muestra analizará cómo su permanente obsesión por captar la instantaneidad le llevó a desdibujar la representación pictórica en una atmósfera casi abstracta. Mientras que su pintura fue tildada de anacrónica por las corrientes de vanguardia que dominaron las primeras décadas del siglo XX, hacia 1950 los jóvenes abstractos americanos y europeos redescubrieron a Monet y lo encumbraron al lugar que ocupa hoy en día dentro de la historia del arte. Sus obras podrán ser admiradas en las salas del Museo Thyssen y de la Fundación Caja Madrid junto a las de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell y Gerhard Richter, entre otros, de forma que el espectador podrá comprobar de primera mano la conexión existente entre ellas.

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    Lágrimas de Eros Del 20 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010

    Lágrimas de Eros, una gran exposición dedicada a los tormentos de la pasión: el lado oscuro del deseo sexual, lleva el título del último libro del escritor francés Georges Bataille, Les larmes d’Éros, y se inspira en algunas de sus ideas sobre el erotismo, como la dialéctica prohibición / transgresión o la identificación de lo erótico con el sacrificio religioso. La exposición tiene un carácter total, pansexual, e incluye todas las orientaciones y nichos del deseo: la mirada masculina y la femenina, lo hetero y lo homo, el voyeurismo y exhibicionismo, el bondage y el sadomasoquismo, los diversos fetichismos, etc. Todas esas especialidades se reconocen en el gran repertorio de los mitos de Eros, tanto los que proceden del Olimpo grecorromano como los que vienen de la Biblia. Nuestra exposición ilustra la pervivencia de esos mitos hasta nuestros días y a la vez su transformación en la época moderna, que les ha dado nuevos sentidos perversos.

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    Jan van Eyck: Grisallas Del 03 de noviembre de 2009 al 31 de enero de 2010

    El díptico de La Anunciación de Jan van Eyck -una de las joyas de la colección permanente del Museo- es también uno de los ejemplos más importantes de pintura en grisalla, técnica muy extendida y apreciada a finales del XIV y en siglos posteriores, basada en la aplicación graduada de un solo color, generalmente gris o colores neutros, y utilizando el modelado por sombras, que produce un efecto de relieve escultórico. La exposición ofrecerá, por primera vez, una comparativa de representaciones en grisalla de la Baja Edad Media, tanto en dibujos y pinturas como en marfiles, iluminaciones, tejidos y objetos de cristal y de metal. El objetivo es mostrar una panorámica de esta técnica, intentando profundizar en sus posibles implicaciones artísticas, sociales y funcionales.

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    Fantin-Latour (1836-1904) Del 29 de septiembre de 2009 al 10 de enero de 2010

    Primera retrospectiva en España del pintor francés Henri Fantin-Latour, organizada en colaboración con la Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa, donde podrá verse del 26 de junio al 6 de septiembre de 2009. Compañero de generación de Manet, Degas y Whistler, Fantin-Latour (Grenoble, 1836 - Buré, 1904) compartió con ellos muchas de sus aspiraciones estéticas aunque, por razones complejas, no ha pasado a la historia como uno de los grandes pioneros de la modernidad. Esta exposición tratará de hacerle justicia y presentará una ambiciosa selección de más de 70 piezas, tanto óleos como dibujos, reuniendo lo más destacado de su producción procedente de museos y colecciones de todo el mundo.

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    Matisse: 1917-1941 Del 09 de junio al 20 de septiembre de 2009

    La exposición se centra en la obra de Matisse realizada entre los años 1917 y 1941, dos fechas importantes en su trayectoria artística y que enmarcan el tramo central de su vida de pintor; una etapa en la que el artista encuentra su estilo más personal y a la que, sin embargo, se le ha prestado menos atención que al comienzo o al final de su carrera. Enmarcada por la sombra de la primera guerra mundial y la premonición de la segunda, esta etapa tuvo una importancia crucial para la difusión y consolidación del arte moderno en la que, sin duda, Matisse tuvo un papel estelar. Éste es el marco en el que se analizará su obra, tratando de mostrar cómo el artista amplía durante esos años el campo de su investigación pictórica, profundizando en la relación entre dibujo, color, volumen y espacio, y se decanta por una poética que, sin abandonar su compromiso con la modernidad, aspira hacia lo atemporal.

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    La sombra Del 10 de febrero al 17 de mayo de 2009

    El objetivo de esta exposición es presentar el amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones suscitado por la representación de la sombra proyectada en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días. La muestra está planteada en dos grandes bloques estrechamente relacionados entre sí: En primer lugar, un completo recorrido por la obra de artistas y movimientos que, desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, han representado y utilizado el elemento sombra de uno u otro modo en sus composiciones: desde las connotaciones simbólicas o su estudio y utilización en la creación de perspectivas de los artistas del Renacimiento, hasta la representación de la luz y la sombra en el Impresionismo, pasando por su espectacular uso por parte de los pintores tenebristas del Barroco o su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica. La segunda parte, que se presentará en las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid, se abrirá con una sección consagrada a las “sombras y luces de la Modernidad”, tal como éstas se representan a lo largo del siglo XX, con especial atención a su utilización en los juegos de proyección de los pintores surrealistas y a su papel protagonista en el Expresionismo alemán. Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecerán un panorama de la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las instalaciones actuales de Christian Boltanski, pasando por las experiencias cinematográficas de Murnau, Orson Welles o Peter Greenaway.

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    Saenredam: La fachada occidental de la iglesia de Santa María de Utrecht Del 11 de noviembre de 2008 al 15 de febrero de 2009

    Contextos de la Colección permanente 22

    La exposición nº 22 de la serie Contextos de la Colección Permanente estará dedicada a Pieter Saenredam (1597-1665), uno de los pintores más notables del siglo XVII, que decidió consagrar gran parte de su vida a la representación en pintura de arquitecturas, tanto del interior como del exterior. Saenredam fue además pionero en la realización de exploraciones de perspectiva, bocetos y mediciones in situ como punto de partida para la realización de sus obras, lo que le distinguó tanto de sus precursores como de otros artistas contemporáneos. El pintor holandés realizó múltiples bocetos en Haarlem, ciudad donde vivía, y se desplazó a otros pueblos y ciudades para dibujar y hacer mediciones, como Assendelft, Utrecht, Ámsterdam, Rhenen y Alkmaar. Esta exposición ofrecerá una panorámica de su obra, presentando las pinturas más hermosas creadas a lo largo de toda su carrera; en resumen, lo más exquisito de su producción.

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    ¡1914! La Vanguardia y la Gran Guerra Del 07 de octubre de 2008 al 11 de enero de 2009

    El periodo inmediatamente anterior al estallido de la guerra de 1914 coincidió con el de máxima vitalidad de los movimientos de vanguardia; por otro lado, la experiencia de la Gran Guerra incidió poderosamente sobre el trabajo de muchos artistas de la época. Con cerca de 180 obras, esta exposición contempla el desarrollo del arte nuevo internacional, aproximadamente entre 1913 y 1917, reflejando a través de la obra de decenas de autores de los principales movimientos artisticos del momento -expresionismo, cubismo, futurismo, vorticismo, primera abstracción,...- este conflictivo peridodo de las vanguardias artísticas: las conexiones entre las diversas manifestaciones del panorama internacional, la misión que asume el arte de vanguardia en relación a los acontecimientos bélicos - muchas veces proféticas o apocalípticas- y de la capacidad de los nuevos lenguajes culturales como representación de actitudes belicistas o de denuncia ante el disparate de la guerra.

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    Miró: Tierra Del 17 de junio al 14 de septiembre de 2008

    La exposición propondrá un recorrido por la obra de Miró en el periodo que transcurre desde 1918, año de su primera exposición individual, hasta su muerte en 1983. El hilo conductor gira en torno a un tema recurrente en su obra: la tierra. A diferencia de otras interpretaciones historiográficas que subrayan su vinculación con el surrealismo, en esta ocasión la atención se centrará en su fidelidad al mundo rural y pagano, y su fascinación por el exceso, la fecundidad -incluyendo el sexo- y la muerte. Desde esta perspectiva, la obra realizada por Miró en la segunda mitad de su vida cobra un peso mayor al que se le suele dar habitualmente.

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    Avigdor Arikha Del 10 de junio al 07 de septiembre de 2008

    La primera exposición antológica en España del artista Avigdor Arikha (Rumanía, 1929), pintor de culto que defiende apasionadamente la pintura del natural, basada en la observación. En esta muestra se podrá ver una extensa selección de sus pinturas y dibujos, dentro de la línea que el Museo sigue sobre exposiciones de arte contemporáneo.

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    PHotoespaña 08: Florian Maier-Aichen Del 03 de junio al 27 de julio de 2008

    El Museo participa en la XI edición del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, que este año tendrá como tema el lugar como espacio físico y experiencia emocional; y lo hará presentando una selección de la obra del fotógrafo alemán Florian Maier-Aichen. Maier-Aichen utiliza para sus instantáneas de paisajes naturales y urbanos una paleta y unos puntos de vista a menudo extremos para conseguir una sensación de irrealidad. Técnicamente emplea métodos de la fotografía documental de forma poco convencional para crear imágenes sublimes.

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    Modigliani y su tiempo Del 05 de febrero al 18 de mayo de 2008

    Amedeo Modigliani (1884-1920) es una de las grandes figuras del arte del siglo XX, abierto a los principales movimientos de la vanguardia parisiense anterior a la Gran Guerra y, a su vez, independiente de todos ellos. Esta muestra se propone analizar su trayectoria artística desde que llega a París, en 1906, hasta su muerte. A diferencia de otras exposiciones realizadas hasta la fecha, este proyecto se distingue por el deseo de presentar su creación en diálogo, tanto con los grandes maestros que influyeron sobre él -Paul Cézanne, Pablo Picasso y Constantin Brancusi-, como con sus amigos de la colonia de Montparnasse: Marc Chagall, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Ossip Zadkine, Tsuguharu Foujita o Jules Pascin, entre otros.

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    Otto Dix: Retrato de Hugo Erfurth. Técnicas y secretos Del 11 de marzo al 18 de mayo de 2008

    Contextos de la Colección Permanente 21

    Una nueva exposición de la serie Contextos de la Colección Permanente que profundizará en la relación entre Otto Dix, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX, y su amigo Hugo Erfurth, afamado fotógrafo de retratos. La muestra reunirá obras de ambos artistas para comprobar cómo su mutua influencia fue más allá de la estrecha amistad que les unió. Al mismo tiempo, el público podrá descubrir los secretos de la particular técnica que utilizaba Otto Dix en sus obras, gracias a la representación de los estudios científicos realizados por el equipo de Restacuración del Museo sobre el cuadro Hugo Erfuth con perro, perteneciente a la colección permanente y motivo central de la exposición.

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    Maestros Modernos del dibujo Del 27 de junio de 2007 al 17 de febrero de 2008

    Una selección de más de setenta obras sobre papel de algunos de los nombres más destacados de arte de los siglos XIX y XX: Goya, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Miró, Freud o Warhol, entre otros. Además de la representatividad de las obras y los artistas reunidos, hay que destacar el hecho de que se trate de piezas que forman parte de una colección privada española, la Colección Abelló, que se muestra al público por primera vez en un conjunto tan amplio.

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    Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento Del 09 de octubre de 2007 al 06 de enero de 2008

    Esta exposición aborda el arte alemán desde finales del siglo XV hasta mediados del XVI centrándose en dos aspectos: la imagen que el artista tenía de su entorno y el papel que estas imágenes desempeñaron en aspectos como la religión, la política o la guerra. También analiza la dualidad entre las ideas propias y específicas de la cultura germana y las influencias exteriores, principalmente del Renacimiento italiano. La exposición tiene como eje las figuras de Durero y Lucas Cranach el viejo; junto a sus obras pueden contemplarse manifestaciones de otros importantes artistas de este amplio periodo.

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    Richard Estes Del 19 de junio al 16 de septiembre de 2007

    Esta retrospectiva del pintor Richard Estes recorrerá su trayectoria pictórica desde los años sesenta hasta hoy, con la intención de documentar su desarrollo como principal fundador y uno de los grandes del fotorrealismo americano. Mediante la utilización de la fotografía como fuente visual directa, Estes se especializó en representaciones de paisajes reales. Sin embargo, a diferencia de otros fotorrealistas que traspasan directamente la foto al lienzo, él la utiliza sólo como punto de partida, tomando varias vistas del lugar escogido y jugando con ellas, hasta llegar a la imagen definitiva, que convierte en una suerte de ilusión óptica. La muestra podrá verse primero en el Palazzo Magnani de Reggio Emilia, Italia, institución co-organizadora.

    Con la colaboración del Consorcio Turísitco de Madrid

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    Van Gogh. Los últimos paisajes Del 12 de junio al 16 de septiembre de 2007

    Auvers-sur-Oise, 20 de mayo - 29 de julio de 1890

    Patrocinada por Banco Caixa Geral y Fidelidade Mundial

    Exposición dedicada por primera vez a los tres últimos meses de vida que Vincent Van Gogh pasa en Auvers, localidad cercana a París. El periodo de Auvers fue breve pero extraordinariamente fecundo y supone un giro decisivo en su obra que el pintor no tuvo tiempo de completar.

    La exposición cuenta con la colaboración del Consorcio Turístico de la Comunidad de Madrid.

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    PHotoespaña 07: Lynn Davis Del 29 de mayo al 29 de julio de 2007

    Las series Iceberg y Persia Antigua, realizadas por la fotógrafo norteamericana Lynn Davis en 2000 y 2001 respectivamente, protagonizan la selección de obras que el Museo Thyssen-Bornemisza presenta en el marco de la décima edición del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña. Siguiendo la senda de la fotografía americana de paisaje, Davis capta en sus imágenes los vestigios y monumentos de la antigüedad y los paisajes naturales que visita, tratando de plasmar con su cámara la belleza de esos lugares y las emociones que suscita su contemplación.

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    El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso Del 06 de febrero al 20 de mayo de 2007

    La exposición analiza, a través de la obra de artistas como Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Salvador Dalí, Francis Bacon o Andy Warhol, la evolución del género del retrato durante el siglo XX. La muestra se presentará primero en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid, para viajar posteriormente al Kimbell Art Museum de Fort Worth (Texas), entidad co-organizadora, con las otras dos, de la exposición. Se trata del primer estudio en profundidad sobre este género tradicional de la pintura que adquiere una importancia renovada en el arte internacional de la era moderna.

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    Studiolo 1: Avigdor Arikha Del 20 de diciembre de 2006 al 11 de marzo de 2007

    La primera de una nueva serie de exposiciones de periodicidad anual que, con el título Studiolo, reúne una selección de obras de la Colección escogidas por un gran artista vivo. Studiolo, diminutivo de studio, designa, en los palacios del Renacimiento, una pequeña estancia donde refugiarse a leer, meditar y contemplar algunas obras de arte cuidadosamente elegidas. En esta primera entrega es el pintor Avigdor Arikha el encargado de está selección; fijándose en la pintura del natural, Arikha reúne en una sala obras de Caravaggio, Tiziano, Degas, Cézanne o Mondrian junto a otras dos de su producción. Avigdor Arikha es un pintor de culto, admirado por la crítica y una escogida minoría de coleccionistas y artistas...

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    Rauschenberg. Express Del 07 de noviembre de 2006 al 17 de enero de 2007

    Contextos de la Colección Permanente 20

    Express, 1963, de la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza, es una de las primeras pinturas en las que Rauschenberg empleó la serigrafía, una técnica que le permitía utilizar en sus lienzos fotografías, formando con ellas un collage de grandes dimensiones. La exposición se centra en este conjunto de obras realizadas en la década de los años 60, en las que se repite su personal iconografía.

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    Sargent / Sorolla Del 03 de octubre de 2006 al 07 de enero de 2007

    La exposición presenta en paralelo las carreras artísticas de John Singer Sargent y Joaquín Sorolla. Dos artistas solitarios y de gran éxito internacional en el entresiglo XIX-XX; momento de inicio de las vanguardias que, sin embargo, los dos evitan. La muestra se centra en exponer afinidades y correspondencias, así como ocasionales encuentros entre dos artistas tan diferentes. El uso del color y la luz como medios expresivos, el afán de desarrollar una pintura moderna a partir de la tradición naturalista, su destacado éxito comercial y social, que les alejó de ser considerados como pintores vanguardistas, y el desarrollo en su última etapa de una creación más personal, son algunos de los puntos comunes que se ponen de manifiesto.

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    De Cranach a Monet. Obras maestras de la Colección Pérez Simón Del 20 de junio al 10 de septiembre de 2006

    La Colección Pérez Simón es una importante colección particular mejicana constituida por más de un millar de piezas de pintura, escultura, dibujo, artes decorativas y manuscritos y que, hasta ahora, no se ha presentado nunca al público en su conjunto. El proyecto del Museo Thyssen-Bornemisza se centrará en la colección de pintura. De las más de cuatrocientas obra maestras que componen este conjunto, se ha hecho una selección de cincuenta y siete que abarcará desde el siglo XIV al XIX, y en la que podrá apreciarse soberbios ejemplos de escuelas como la italiana, alemana, flamenca, holandesa, francesa y británica. La sección dedicada al siglo XIX tendrá un peso específico, pues es uno de los bloques más sobresalientes de la colección, donde destaca la pintura victoriana. En la exposición podrán contemplarse obras de Bronzino, Lucas Cranach el viejo, Jan y Pieter Brueghel, Van Dyck, Rubens, Canaletto, Giambattista Tiepolo, Goya, Paul Gauguin, Claude Monet, Camille Pisarro, Pierre-Auguste Renoir, o Dante Gabriel Rossetti.

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    Tintoretto. El Paraíso Del 08 de junio al 27 de agosto de 2006

    Contextos de la Colección Permanente 19

    La exposición trata sobre los dos concursos convocados a finales del siglo XVI por la República de Venecia para la realización de las pinturas que decorarían la Sala del Gran Consiglio del Palazzo Ducale. Los más destacados pintores venecianos de la época presentaron sus bocetos a estos dos concursos; concretamente se conservan los presentados por Tintoretto (dos bocetos, uno de ellos el perteneciente al Museo), Veronés, Palma el Joven y Bassano. La exposición reúne de nuevo estas obras, todas ellas de gran formato: el cuadro que pertenece a la Colección del Museo, el Paraíso de Tintoretto, mide 164 x 492 cm, lo que da una idea de las dimensiones de estos bocetos y de lo excepcional de la exposición.

    La muestra se realiza en colaboración con el Museo del Louvre, donde se expone hasta mayo de 2006, y con el Palazzo Ducale de Venecia, donde se mostrará tras su paso por Madrid, en el otoño de 2006.

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    Bae Bien-U Del 30 de mayo al 23 de julio de 2006

    PHotoEspaña 2006

    El Museo Thyssen-Bornemisza participa en la novena edición del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña con la exposición de Bae Bien-U (Yosu, Corea del Sur, 1950). Las dieciséis fotografías expuestas corresponden a las series Pine Tree (Pino) y Wind of Tahiti (Viento de Tahití). La primera reúne obras realizadas a principios de la década de los noventa centradas en los bosques de pinos, que constituyen para el autor una importante fuente de inspiración. En estas obras los árboles pueden llegar a convertirse en criaturas que unen cielo y tierra, o representar a los individuos y los grupos sociales. La segunda serie, Wind of Tahiti, realizada entre 2002 y 2003, presenta una vegetación llena de fuerza y cromatismo, que recuerda las imágenes de la pintura de Gauguin en su periplo por esas tierras. Bae Bien-U, uno de los protagonistas de la joven fotografía coreana, es un autor autodidacta fuertemente influenciado por sus estudios de arte. Su obra ha recorrido medio mundo, desde Tahití hasta Nueva York, pasando por Tokio, París y Londres.

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    Fra Angelico. La virgen de la Humildad Del 07 de marzo al 14 de mayo de 2006

    Contextos de la Colección Permanente 18

    Fra Angelico. La virgen de la Humildad es el título de la exposición número 18 de la serie de exposiciones Contextos de la Colección Permanente, patrocinada por el Banco Urquijo. Comisariada por Guillermo Solana, Conservador Jefe del Museo Thyssen-Bornemisza y Mar Borobia, Jefe del Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza, la muestra gira en torno a la magnífica tabla del maestro italiano que, ubicada habitualmente en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), hace por unos meses escala en Madrid. La exposición analiza dos modelos de Vírgenes con amplia difusión dentro de la historia del arte, dos tipologías que cuentan con buenos ejemplos de gran riqueza, en las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza: la Virgen de la Humildad y la Virgen entronizada con el Niño. A estos dos temas se añaden antecedentes que ilustran la postura que adopta la Virgen de la Humildad, procedentes de las Adoraciones del Niño, así como otros episodios marianos que presentan a María como Reina de los Cielos.

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    Vanguardias rusas Del 14 de febrero al 14 de mayo de 2006

    La exposición consiste en un recorrido por la génesis y desarrollo del arte ruso de vanguardia durante el primer tercio del siglo XX. El recorrido parte de la búsqueda, a comienzos de siglo, de un nuevo arte nacional basado en las tradiciones populares rusas. Un segundo apartado está dedicado a los primeros intentos por entroncar con el arte internacional europeo, principalmente con el Futurismo. Más adelante se analiza la trayectoria de artistas fuertemente personales como Chagall, Kandinsky o Filonov. La muestra prosigue con la abstracción organicista de los años de posguerra. Finalmente, el capítulo más extenso está dedicado al afán de superar el arte tradicional y de convertirlo en una forma de construcción del hombre nuevo, recurriendo a medios tan diversos como la pintura, la escultura, la fotografía o el arte de la propaganda.

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    Rafael. Retrato de un joven Del 18 de octubre de 2005 al 15 de enero de 2006

    Contextos de la Colección Permanente 17

    Rafael Sanzio (Urbino, 1483-Roma, 1520) llegó a Roma, procedente de Florencia, probablemente en el otoño de 1508. Según Giorgio Vasari (1550), el joven artista fue llamado a la corte del papa Julio II (1503-1513) por mediación de Bramante que procedía, como él, de Urbino y que en ese momento era el responsable de las obras de San Pedro. En Roma, Rafael fue inmediatamente contratado para participar en la decoración de los apartamentos privados del pontífice, situados en el ala norte de los palacios vaticanos, iniciando su trabajo por la Estancia conocida con el nombre de la Segnatura. La estrepitosa novedad de su lenguaje, unida a la innovadora forma de su narración fue tal, que las decoraciones realizadas poco tiempo antes por otros artistas fueron destruidas, y el proyecto se adjudicó en su totalidad a Rafael.

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    Mimesis. Realismos modernos 1918-1945 Del 11 de octubre de 2005 al 08 de enero de 2006

    Mimesis. Realismos modernos 1918-1945 se propone mostrar la difusión del realismo en los años que se extienden entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Durante este periodo histórico en que se pusieron en cuestión todos los presupuestos en los que se había basado hasta entonces el mundo occidental, el realismo se manifestó con fuerza constituyéndose en una de las tendencias principales de la modernidad. Los artistas realistas, en clara oposición al subjetivismo de los movimientos de vanguardia de comienzos de siglo, se concentraron en interpretar la realidad de su tiempo; para ello tuvieron que desarrollar una nueva manera de representación adecuada a la nueva era y, en gran medida, contribuyeron a un mejor entendimiento del hombre moderno.

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    Corot. Naturaleza, emoción, recuerdo Del 07 de junio al 11 de septiembre de 2005

    La Historia del Arte del siglo XX ha presentado a Jean-Baptiste Camille Corot resaltando de forma selectiva determinados aspectos de su dilatada obra. Así, en Corot, se ha visto o bien a un descendiente del paisaje neoclásico o a un precursor del Impresionismo; se le ha estudiado bajo el prisma realista de sus paisajes o, por el contrario, bajo las composiciones más depuradas que presentaba al Salón. Esta exposición pretende destacar todos estos matices, sin subrayar ninguno de ellos. El proyecto también quiere ser un punto de partida para revisar y revalorizar un tema relativamente olvidado hoy por la crítica, pero al que Corot debe su éxito en el siglo XIX: los llamados souvenirs (recuerdos).

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    Los retratos de Memling Del 15 de febrero al 15 de mayo de 2005

    Contextos de la Colección Permanente 16

    Hans Memling, de origen germano, nació en Seligenstadt hacia 1435. El primer dato que se conoce sobre él es de 1465, cuando consiguió la ciudadanía en Brujas, requisito imprescindible para ejercer su profesión en esta urbe a la que llegó ya como maestro. Por lo que respecta a su aprendizaje, se acepta que pudo iniciarse en su ciudad natal, en Alemania, completándose, en Bruselas, en el taller de Rogier van der Weyden. Memling trabajó en Brujas tanto para las familias más influyentes como para la nutrida y próspera comunidad de extranjeros que tenían allí sus negocios; sin embargo nunca consiguió ningún encargo oficial de la ciudad. Su primera pintura importante fue el Tríptico del Juicio Final, comisionado por el representante de la familia Medici, Agnolo di Jacopo Tani. Entre sus conjuntos más destacados se encuentra, el Tríptico de los Santos Juanes, de 1479, en el Memlingmuseum de Brujas, pintado para el Hospital de San Juan de Brujas. Un lugar importante dentro de su carrera ocupa el Tríptico Moreel, de 1484, para la iglesia de Santiago, y costeado por el político y comerciante Willem Moreel; en él se representa uno de los primeros retratos familiares de grupo. En su etapa final hay que situar el célebre relicario con escenas de la vida de santa Úrsula, consagrado en 1489, con sugestivas vistas de la ciudad de Colonia como fondo.

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    Brücke. El nacimiento del Expresionismo alemán Del 01 de febrero al 15 de mayo de 2005

    En 2005 se cumplen cien años de la constitución del grupo de artistas Brücke, que fue fundado en junio de 1905 por Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, entonces estudiantes de arquitectura en Dresde. Emil Nolde, Max Pechstein, Cuno Amiet y Otto Mueller estuvieron entre los pintores más destacados que se adscribieron después a esta agrupación que se disolvería definitivamente en 1913. En los ocho intensos años de actividad de este grupo tuvo su máximo desarrollo el primer expresionismo alemán, que conoció diversos episodios estilísticos marcados precisamente por las expectativas artísticas en las que convergieron sus principales miembros.

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    Gauguin y los orígenes del Simbolismo Del 28 de septiembre de 2004 al 09 de enero de 2005

    La exposición se centra en el análisis de la obra de Paul Gauguin y su relación con otros artistas: sus maestros, como Pissarro, Cézanne o Degas, sus coetáneos, principalmente Van Gogh, y otros artistas que muestran su influencia, como Bonnard, Vuillard o Picasso, durante el periodo comprendido entre 1884 y 1891. Durante esta época Gauguin pasó de ser un impresionista secundario a convertirse en cabeza de fila del movimiento simbolista. El esfuerzo por superar el impresionismo le llevó a poner en cuestión toda la tradición "naturalista" del arte europeo desde el Renacimiento. Uno tras otro, sacrificaría todos los recursos descriptivos de la pintura (perspectiva, sombras, claroscuro, tono local), en aras del valor puro de la línea y el color sobre el plano.

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    Pintura andaluza en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza Del 19 de julio al 05 de septiembre de 2004

    El siglo XIX fue uno de los períodos más fecundos del arte andaluz tras la decadencia que siguió a la muerte de Murillo y el predominio de pintores extranjeros en la corte de los primeros Borbones. Desde los años treinta del siglo XIX, Sevilla y otras capitales andaluzas se beneficiaron de un notable auge económico. Pero más importante que ello, fue la llegada a Andalucía de viajeros provenientes de Inglaterra y de otras partes de Europa. Estos primeros «turistas» habían comenzado a recorrer nuestro país a fines del siglo XVIII, pero fue en el segundo cuarto del siglo siguiente cuando su presencia se hizo masiva, fruto de las repercusiones que tuvo en toda Europa la Guerra de Independencia (1808-1813) y de la popularización del gusto romántico por lo exótico. Andalucía protagonizó, como ninguna otra región, el «mito romántico de España». Sevilla y Granada principalmente, acogieron a escritores y pintores como Washington Irving, Richard Ford, Théophile Gautier, Alexandre Dumas, David Roberts, John Frederick Lewis, Alfred Dehodencq, Gustave Doré, etc., quienes fijaron la imagen de «lo español». Paralelamente, en el extranjero creció la demanda de obras capaces de plasmar los principales paisajes, monumentos y costumbres del sur de España.

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    Gerard David y el paisaje flamenco Del 10 de junio al 22 de agosto de 2004

    Contextos de la Colección Permanente 15

    El tema central de la exposición, La Crucifixión, que guarda el Museo Thyssen- Bornemisza, es una de las pinturas más antiguas que se conserva del artista y está considerada una obra de su primera etapa de actividad. Se trata de una tabla de notable interés, especialmente por su tratamiento del paisaje, para el que elige un momento crepuscular en el que la luz tiene un protagonismo que se refleja tanto en el cielo como en las tonalidades utilizadas para presentar a los personajes. En la tradición de la pintura medieval, junto al tema central, generalmente escenas del Nuevo Testamento o vidas de santos, es frecuente encontrar espacios reinventados, como Tierra Santa, Jerusalén o Belén recreadas en forma de ciudades medievales, con un paisaje "de lejos" agradable y pintoresco, lleno de detalles que lo humanizan. En esa línea, el fondo de este cuadro es un amplio escenario en el que destaca el desarrollo de Jerusalén, una ciudad vista desde el exterior con un recinto amurallado y los edificios del templo y el castillo sobresaliendo sobre los demás.

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    Pintura catalana del Naturalismo al Noucentisme Del 10 de junio al 11 de julio de 2004

    Las 66 obras seleccionadas para la exposición temporal ofrecen al público la oportunidad de analizar los orígenes y el desarrollo de la pintura moderna catalana con piezas que datan desde mediados del siglo XIX hasta principios del XX. La muestra abre con una sección dedicada al paisaje naturalista y romántico, considerado como el primer capítulo en la historia del arte moderno en Cataluña. Este movimiento se centró fundamentalmente en el paisaje como tema y tuvo al romanticismo como fuente de inspiración. Según Tomàs Llorens, Conservador Jefe del Museo Thyssen-Bornemisza y responsable de la selección de obras en esta exposición, “el romanticismo estuvo en el punto de partida pero también en la conclusión de este tipo de paisaje naturalista”. Corbera de Llobregat, un importante paisaje de Lluís Rigalt que se muestra en esta exposición, es un ejemplo fundamental de la relación existente entre ambos movimientos.

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    Willi Baumeister 1889-1955 Del 30 de octubre de 2003 al 22 de febrero de 2004

    Esta es la primera antológica que se presenta en España del pintor alemán Willi Baumeister, una de las figuras más destacadas del arte alemán del siglo XX y uno de los artistas más influyentes – junto a Paul Klee – en los orígenes de la abstracción española. Organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación Caja Madrid y la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich, y con el apoyo de la familia Baumeister, la exposición, tras su paso por Madrid, podrá verse también en la ciudad alemana de marzo a junio de 2004. Willi Baumeister pertenece a la generación que emerge en el panorama artístico alemán en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial (Schlemmer, Müller, Siegel…). Su carrera se desarrolla fundamentalmente en Alemania, aunque estuvo vinculado durante los años 1920 al grupo parisino de l’Esprit Nouveau (Léger, Le Corbusier, Ozenfant...) y en los años 1930 formó parte del frente internacional Abstraction Création. A lo largo de toda su vida, mantuvo también una relación especial con el mundo artístico español. Relegado, al igual que otros artistas europeos modernos, por el predominio de la historiografía norteamericana en el arte de la segunda mitad del siglo XX, esta exposición antológica – con 92 obras (75 pinturas y 17 dibujos) - pretende revisar la evolución de su pintura a lo largo de toda su trayectoria artística y restituir a Willi Baumeister en el lugar que le corresponde como una de las grandes figuras de la abstracción europea.

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    Analogías musicales. Kandinsky y sus contemporáneos Del 11 de febrero al 25 de mayo de 2003

    La exposición pretende mostrar el papel activo del modelo musical en la pintura centrándose en un periodo concreto: la década de 1910, los años en que se inicia el desarrollo del arte abstracto. Para ilustrar los diferentes medios por los que el ideal de sinestesia (es decir, la correspondencia entre percepciones sensoriales diferentes como, en el caso de música y pintura, vista y oído) da pie a la pintura abstracta, se muestran obras de artistas muy variados. Todos ellos son contemporáneos de quien, por su influencia y calidad, se revela como figura central de la abstracción, Wassily Kandinsky.

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    Ribera. La Piedad Del 20 de febrero al 11 de mayo de 2003

    Contextos de la Colección Permanente 14

    El lienzo de la Piedad (El entierro de Cristo), pintado por Jusepe de Ribera y fechado en 1633; es una de las realizaciones más logradas de un tema al que el artista dedicó varias versiones. La exposición, patrocinada por la Caja de Ahorros del Mediterráneo, revisa la iconografía de la Piedad en su producción y, más concretamente, la importante aportación de Ribera en la representación pictórica de este episodio de la Pasión. Para ello, se ha reunido un escogido grupo de obras realizadas en distintos momentos de su carrera.

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    Tiziano / Rubens. Venus ante el espejo Del 24 de septiembre de 2002 al 26 de enero de 2003

    Contextos de la Colección Permanente 13

    La fuente de inspiración para Rubens fue un lienzo de Tiziano, perdido durante el siglo XIX, que formó parte de las colecciones reales españolas. Este lienzo, copiado por Rubens durante una de sus estancias en la corte madrileña, es conocido a través de otras versiones que se han conservado. La que se considera más cercana a la pintura perdida, y la de mayor calidad, es el óleo de la National Gallery de Washington [cat. nº. 2]. La contemplación simultánea de ambos lienzos en la exposición ofrece la posibilidad de estudiar las diferencias interpretativas y estilísticas entre estos artistas.

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    Robert y Sonia Delaunay (1905-1941) Del 09 de octubre de 2002 al 12 de enero de 2003

    El principal objetivo de la exposición es mostrar, a través de alrededor de 70 obras procedentes de museos y colecciones particulares de todo el mundo, la importante contribución de Robert y Sonia Delaunay a la pintura moderna entre 1907, fecha de su primer encuentro, y 1941, año en que muere Robert. El motivo principal del lenguaje abstracto de Robert Delaunay fue la luz. Tras un detallado estudio de las teorías del color, Delaunay llegó a la conclusión de que la fuerza y la paradójica realidad de la luz – su ubicuidad, su energía infinita y su inmaterialidad – sólo se podía representar pictóricamente a través del color. El propio artista denominó a su método de representación de la luz a través del color con el nombre de Simultaneismo. Éste fue su único principio artístico desde 1912, año en el que publica Luz, un texto que tuvo una gran influencia en los artistas contemporáneos y que fue traducido al alemán por Paul Klee. En esas fechas Apollinaire acuñó el término “orfismo” o “cubismo orfico” para definir el trabajo de su amigo. El propio Delaunay definía así su camino hacia la abstracción: “…. esas reminiscencias de objetos, de residuos de objetos en mis cuadros, se me aparecían como elementos nocivos. Yo tenía la intención de fundir esas imágenes objetivas en ritmos coloreados, pero esas imágenes eran de otra naturaleza… Entonces me vino la idea de suprimir las imágenes vistas en la realidad: los objetos que venían a interrumpir y corromper la obra coloreada. Acometí el problema del color formal.”

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    Sisley. Poeta del Impresionismo Del 08 de junio al 15 de septiembre de 2002

    A través de más de setenta obras, la exposición ofrece un completo recorrido por la trayectoria artística de Alfred Sisley, en un auténtico paseo geográfico por los escenarios que visitó y pintó a lo largo de toda su vida. Menos conocido quizás que el resto de los miembros del grupo – Monet, Renoir, Pissarro o Degas – Sisley es sin embargo considerado como uno de los representantes más puros del movimiento; su forma de vida, su método de trabajo y su obra, representan la esencia del impresionismo, a cuyos principios originales se mantuvo fiel durante toda su carrera. Uno de los objetivos principales de esta exposición es, precisamente, redescubrir y resaltar la figura de Sisley en el contexto de los pintores impresionistas, pero también como uno de los grandes paisajistas de la historia del arte, dotado de una extraordinaria sensibilidad cromática y un sentido innato de la composición. Al mismo tiempo, se quiere profundizar en algunos aspectos poco conocidos pero no menos importantes para valorar su obra; entre ellos, su conexión con la pintura romántica británica o los años finales de su carrera, de 1880 a 1899, etapa hasta ahora analizada muy superficialmente.

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    Dalí: Gradiva Del 21 de mayo al 08 de septiembre de 2002

    Contextos de la Colección Permanente 12

    Gradiva descubre las ruinas antropomorfas. (Fantasía retrospectiva) de 1931-1932, es una obra fundamental de la colección del siglo XX del Museo Thyssen-Bornemisza. Para esta pintura, Dalí se basa en la heroína de la novela de Wilhelm Jensen, Gradiva (publicada en Alemania en 1903) que los surrealistas utilizaron como fuente de inspiración, especialmente a través de la interpretación que Sigmund Freud había hecho del libro, El delirio y los sueños, en 1907, en la “Gradiva” de Jensen.

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    Braque (1882-1963) Del 02 de febrero al 19 de mayo de 2002

    El principal objetivo de esta exposición es presentar una imagen completa de la trayectoria artística de Braque que sea al mismo tiempo elocuente de su papel como uno de los pintores esenciales del siglo XX. Para ello se ha logrado reunir un conjunto de sesenta obras de la mayor calidad que proceden de museos y colecciones particulares de todo el mundo: Statens Museum for Kunst (Copenhague), Staatsgalerie (Stuttgart), Tate (Londres), Centre Georges Pompidou (París), Musée de Grenoble, Musée Picasso (París), Colección Paule y Adrien Maeght, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, The Menil Collection (Houston), Fondation Margerite et Aimé Maeght, etc. En su trayectoria artística destaca, sin duda, la invención, junto con Picasso, del cubismo, uno de los capítulos más importantes del arte moderno. Junto a ello, la creación y experimentación de nuevas técnicas, como el papier collé o las palabras pintadas, su constante reinterpretación de los grandes géneros de la pintura clásica, principalmente el paisaje y el bodegón y, sobre todo, las soluciones que plantea a las que fueron sus dos grandes obsesiones: la fusión de las cosas con su entorno y la transcripción de la solidez del espacio, han marcado también hitos importantes en la historia del arte del siglo XX dejando una huella evidente en numerosos artistas contemporáneos.

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    Los Reyes Magos de Oriente. Historia de una Tradición Del 12 de diciembre de 2001 al 17 de febrero de 2002

    La Colección Thyssen-Bornemisza y el Museu – Monestir de Pedralbes presentan la exposición Los Reyes Magos de Oriente. Historia de una tradición, una nueva mirada a la representación de unos personajes que forman parte del imaginario colectivo. A través de las obras de grandes maestros como Ferrer Bassa, Pietro de Rimini o Luca di Tommè, esta muestra es un evocador viaje a través de la historia y la iconografía de los tres Reyes desde el siglo XIII hasta el siglo XVIII.

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    Kokoschka: Max Schmidt, Adolf Loos y sus amigos Del 06 de noviembre de 2001 al 17 de febrero de 2002

    Contextos de la Colección Permanente 11

    Los retratos de Max Schmidt (1914) - perteneciente al Museo Thyssen-Bornemisza- y de Carl Leo Schmidt (1911) -de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza-, son dos de las tres partes en que fue recortado el Triple retrato de los hermanos Schmidt en los años cincuenta (el tercero de los retratos, el de Hugo Schmidt, se da por desaparecido). El estudio de estos dos retratos, que vuelven ahora a exponerse juntos por primera vez desde hace casi cincuenta años, ha sido el motivo de esta nueva edición de la serie Contextos de la Colección Permanente.

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    Forma. El ideal clásico en el arte moderno Del 09 de octubre de 2001 al 13 de enero de 2002

    Esta exposición propone una nueva interpretación de las relaciones entre clasicismo y modernidad en el arte de la primera mitad del siglo XX. Su clave está en la noción de forma. El formalismo, una posición teórica que privilegia la forma sobre el contenido en la obra de arte, fue determinante para el nacimiento del nuevo arte del siglo XX y para su ruptura respecto del siglo anterior. Por otra parte, el formalismo propició que una corriente muy importante de la modernidad se decantara hacia la búsqueda de un nuevo clasicismo en los años 1920 y 1930.

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    Corot. El Parque de los Leones en Port-Marly, 1872 Del 26 de junio al 21 de octubre de 2001

    Contextos de la Colección Permanente 10

    Esta hermosa pintura que normalmente se exhibe en la sala 31 del Museo, dedicada a la pintura europea del siglo XIX, puede ahora contemplarse junto a otros cuadros que Corot pintó durante su visita al Château de los Leones en Contextos de la Colección Permanente 10

    Port-Marly, propiedad de la familia Rodrigues-Henriques. Este grupo de obras nos acerca al estilo paisajístico de Corot y nos ofrece la oportunidad de estudiar la relación entre el artista y la familia Rodrigues-Henriques, a la que pertenecieron la mayoría de ellas. Georges Rodrigues un adinerado coleccionista, aficionado a la pintura, se convirtió en su madurez en un aplicado discípulo del pintor, como puede comprobarse en el paisaje suyo que presentamos junto a las obras de su maestro.

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    Canaletto. Una Venecia imaginaria Del 29 de mayo al 02 de septiembre de 2001

    Canaletto. Una Venecia imaginaria propone una revisión de criterios asociados a la obra de uno de los grandes pintores del siglo XVIII. Las pinturas y grabados seleccionados recogen la imagen de una ciudad universalmente conocida, un icono que ha permanecido inalterable con el paso del tiempo. Por este motivo, algunos sectores de la historiografía del arte, han considerado a Canaletto un pintor que reproducía mecánicamente la realidad de su alrededor. En esta exposición se analiza la obra de Canaletto desde otra perspectiva: la de un artista capaz de cambiar la imagen de su ciudad, manteniendo, pese a ello, un grado de verosimilitud en el que es difícil separar la ficción de sus pinturas de la verdad de los espacios venecianos. El itinerario expositivo se ha dividido en tres capítulos. El primero se abre con treinta y un aguafuertes de Canaletto, grabados entre 1740-1745, donde los caprichos alternan con vistas de Venecia y sus aledaños. El segundo, más extenso, está dedicado a la pintura al óleo. Los caprichos seleccionados en este grupo, envueltos en una atmósfera poética, yuxtaponen arquitecturas clásicas vénetas y romanas. Junto a Canaletto se ha considerado oportuno para su comparación, exponer vistas de otros pintores contemporáneos como Luca Carlevarijs, Michele Marieschi, Francesco Guardi, Bernardo Canal, padre del artista, o su sobrino Bernardo Belloto. El tercer capítulo, con el que se cierra el recorrido, se ha dedicado a los aguafuertes de Antonio Visentini que reproducen las vedute más sobresalientes de Canaletto pintadas entre los años 1725 y 1740. Las treinta y ocho estampas se dividen en dos series. La primera propone un itinerario por el Gran Canal desde el Puente de Rialto hasta la punta de la Aduana y desde el Rialto a la entrada Norte; la segunda atraviesa la ciudad desde su acceso septentrional hasta la plaza de San Marcos. Los últimos doce grabados ilustran campos menores de la ciudad del Adriático.

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    El Renacimiento mediterráneo Del 31 de enero al 06 de mayo de 2001

    Esta exposición se propone mostrar la circulación de obras de arte, de ideas y de artistas en la cuenca mediterránea en el siglo XV. Durante el primer tercio de esta centuria los patrones medievales del Gótico Internacional se fueron abandonando, al tiempo que se difundían las nuevas doctrinas y formas artísticas que emanaban de Flandes y del Norte de la Península Itálica. Los itinerarios de estos procesos de difusión, los maestros que intervinieron en este proceso de intercambios y los lugares donde se gestaron, se analizan aquí por medio de más de un centenar de pinturas y objetos. La muestra consiente examinar en el contexto cultural de origen algunas obras que han tenido un papel determinante en la renovación del lenguaje figurativo del Renacimiento. Además, se reúnen pinturas que han estado separadas mucho tiempo como es el caso del San Jorge de la National Gallery de Washington y la Virgen con el Niño del Museo Thyssen-Bornemisza, ambas de Rogier van der Weyden.

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    Explorar el Edén. Paisaje américano del Siglo XIX Del 29 de septiembre de 2000 al 14 de enero de 2001

    Explorar el Edén es un recorrido por la pintura de paisaje americana del siglo XIX, un capítulo de la historia del arte muy poco conocido en Europa, a pesar de su innegable contribución a la tradición paisajística de la pintura occidental. La muestra, que abarca un arco cronológico que va desde el romanticismo al naturalismo, arranca con la figura de Thomas Cole, el padre del paisajismo norteamericano y finaliza con Winslow Homer, un pintor que anuncia ya la pintura moderna.

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    Michael Andrews. Luces Del 20 de junio al 01 de octubre de 2000

    Contextos de la Colección Permanente 9

    Michael Andrews (1928–1995), sólidamente enraizado en la tradición figurativa británica, suele estar vinculado a la denominada Escuela de Londres, un grupo heterogéneo de artistas que compartieron un mismo interés por la figura humana y un profundo rechazo del naturalismo academicista. Todos sus componentes, entre los que además de Andrews se encuentran Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach y Leon Kossoff, están ampliamente representados en la colección del Museo Thyssen-Bornemisza.

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    Victor Hugo. Dibujos: Caos en el pincel... Del 02 de junio al 10 de septiembre de 2000

    Victor Hugo (1802-1885), una de las grandes figuras de la literatura universal, fue además un importante artista plástico hasta ahora poco conocido. Esta exposición, que se presentará posteriormente en la Maison de Victor Hugo de París, ofrece una amplia selección de obras sobre papel, así como un conjunto de objetos, surgidos de su inagotable imaginación creadora. El Museo Thyssen-Bornemisza se suma de esta forma a las iniciativas que últimamente van apareciendo para dar a conocer su obra pictórica - eclipsada quizá por la desbordante fama de su obra literaria - que nos permitirá descubrir a un sorprendente innovador de formas y técnicas artísticas.

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    Pintura española de la Colección Meadows Del 10 de mayo al 27 de agosto de 2000

    Algur Hurtle Meadows (1899-1978) procedente de Vidalia, Georgia, fundó en Texas la General American Oil Company. Negocios relacionados con esta firma hicieron que Algur H. Meadows visitara España en la década de 1950 pasando largas temporadas en Madrid. Las numerosas visitas que Algur H. Meadows realizó al Museo del Prado, próximo al lugar donde se hospedaba, y la fascinación que le produjo la pintura española del Siglo de Oro, desembocaron en la firme decisión de crear una colección propia de arte español. Sus primeras compras se orientaron hacia pintores de los siglos XVI y XVII, ampliando posteriormente este arco cronológico con adquisiciones desde el siglo XIV al XX. El museo fundado en memoria de su primera esposa, Virginia Garrison Stuart (1901-1961) obedeció al deseo personal de Meadows de erigir un centro de arte español en Texas. En 1967, con la ayuda de William B. Jordan, la colección Meadows se revisó depurando y ampliando sus fondos con obras de calidad indiscutible. Algur H. Meadows participó activamente en estas labores que han tenido una continuidad hasta la actualidad.

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    Miradas sin tiempo. Dibujos, Pinturas y Esculturas de la Colección Jan y Marie-Anne Krugier-Poniatowski Del 02 de febrero al 14 de mayo de 2000

    La colección Jan y Marie-Anne Krugier-Poniatowski, con sede en la ciudad suiza de Ginebra, se inició a finales de la década de los años 60 con la adquisición de un dibujo del artista francés Georges Seurat. En los treinta años transcurridos desde aquella primera compra, los fondos de la colección Krugier- Poniatowski han superado ampliamente los cuatrocientos diseños que en la actualidad componen este conjunto privado. La colección Krugier-Poniatowski, conocida de los especialistas, ha participado activamente en el último tercio del siglo XX, con obras puntuales, en importantes exposiciones. Sin embargo ha sido con el cambio de siglo cuando sus propietarios han decidido presentar al público, por vez primera, una amplia selección de las obras que conforman su colección.

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    Pechstein en Nidden, 1909 Del 26 de octubre de 1999 al 23 de enero de 2000

    Contextos de la Colección Permanente 8

    La octava edición de la serie Contextos se organizó con motivo de la presentación del cuadro Haff (Albufera), del pintor expresionista alemán Max Pechstein, adquirido por el Ministerio de Educación y Cultura para formar parte del Museo. Es la primera vez que se incorpora un nuevo cuadro a la colección y su adquisición viene además a enriquecer la ya completísima representación del grupo expresionista Die Brücke (El Puente) en la Colección Permanente. Este acontecimiento, junto a la importancia de la obra, se consideró el motivo más adecuado para organizar una nueva exposición de la serie Contextos. Junto a ella se reúne en la muestra un conjunto de doce pinturas al óleo y acuarelas que Pechstein realizó en el verano de 1909 durante su fructífera estancia en una pequeña aldea de pescadores del Báltico: Nidden. Este fue un momento clave en su trayectoria artística, cuando consolida y conquista los recursos expresivos necesarios para desarrollar por completo su estilo único y personal.

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    Naturalezas pintadas de Brueghel a Van Gogh Del 01 de octubre de 1999 al 16 de enero de 2000

    El naturalismo constituyó una corriente artística de límites imprecisos que durante casi tres siglos surcó la pintura occidental, hallando su culminación en el siglo XIX. Frente a la pintura de historia y el retrato, tradicionalmente considerados como los géneros artísticos principales, el naturalismo se nutrió de las conquistas plásticas llevadas a cabo en el seno del paisajismo, de las escenas de vida y costumbres cotidianas -también denominadas "escenas de género"- y de los bodegones o naturalezas muertas. Precisamente por considerarse géneros menores, ninguno de ellos estuvo sujeto a la rígida reglamentación de los cuadros mitológicos, religiosos o alegóricos, obligados estos últimos a embellecer la realidad concreta en función de "lo ideal". Ello redundó en una observación directa de la naturaleza y en el progresivo abandono de las fórmulas de taller.

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    Morandi. Exposición antologica Del 01 de junio al 05 de septiembre de 1999

    A través de un centenar de obras, principalmente óleos y algunos dibujos y acuarelas, esta exposición ofrece un completo recorrido por la trayectoria artística de Morandi, un pintor poco conocido por el gran público pero cuya obra sobresale por su gran calidad y por su alto grado de refinamiento. Nacido en Bolonia, ciudad en la que transcurrió toda su vida artística, Giorgio Morandi es un artista intemporal, con un lenguaje totalmente personal en el que ha quedado reflejado como en muy pocos la esencia de la modernidad. Aunque se trate de un pintor aislado, que no puede enmarcarse en ninguno de los grandes movimientos del arte contemporáneo, su obra ilustra de un modo muy claro las ideas fundamentales para entender la historia del arte del siglo XX.

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    El Greco. Identidad y Transformación Del 04 de febrero al 16 de mayo de 1999

    En Madrid se reúnen un total de 78 obras, de las cuales 70 son obras pintadas por El Greco; las 8 restantes son pinturas cretenses del siglo XVI, realizadas "alla greca" por los artistas más importantes del momento (Klontzas, Damaskinós, Lambardos, etc.), y cuya presencia al inicio de la exposición permite ver la tradición cultural y artística en la que se formó Theotokópoulos y, al mismo tiempo, pone de manifiesto la originalidad de su propia producción en los años en que trabajó allí. En la exposición es posible contrastar obras como La Última Cena de Damaskinós, La Adoración de los Reyes de Lambardos o las tablas anónimas de La Dormición de la Virgen y San Lucas pintando el icono de la Virgen, con otras del mismo tema realizadas por El Greco: La Última Cena procedente de la Pinacoteca de Bolonia, La Adoración de los Reyes y el San Lucas pintando a la Virgen, ambas del Museo Benaki de Atenas, o La Dormición de la Virgen descubierta en 1983 en la isla de Syros y que por primera vez forma parte de una exposición dedicada a El Greco.

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    Picasso. Corrida de toros (1934) Del 15 de enero al 02 de mayo de 1999

    Contextos de la Colección Permanente 7

    Por segunda vez desde su inicio, el programa de exposiciones Contextos propone un acercamiento a una obra de Pablo Picasso presente en la colección permanente; primero fue Arlequín con espejo, que inauguró la serie en 1995, y ahora el cuadro Corrida de toros. Junto a él puede verse en la muestra un magnífico conjunto de quince obras del mismo autor y sobre el mismo tema, las corridas de toros, que el artista malagueño realizó en la mitad de la década de los 30 y que se pueden considerar en algunos aspectos preludio del Guernica. El principal objetivo de la exposición, comisariada por Tomàs Llorens y patrocinada por la Fundación Caja Madrid, es poner de manifiesto la interpretación más profunda que Picasso realizó del mundo del toro, una interpretación que va más allá del puro choque, dolor o violencia física y que parece haberle llevado a considerar el rito de la corrida como una parábola del amor y de la muerte.

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    Sorolla y la Hispanic Society Del 04 de noviembre de 1998 al 17 de enero de 1999

    El objetivo de esta muestra es presentar el conjunto de obras que Joaquín Sorolla realizó para la Hispanic Society of America de Nueva York, el proyecto más importante de su vida y al que dedicó sus mayores esfuerzos; en él trabajó, casi exclusivamente durante ocho años. En 1911 el fundador de la Hispanic Society, Mr. Archer M. Huntintong, encargó al pintor valenciano la decoración de una sala de grandes dimensiones en su sede neoyorkina. El resultado fue una serie de pinturas de gran formato, conocida con el título de Las regiones de España, que sintetizaba la visión de la España contemporánea a Sorolla, vista a través de sus ojos. La exposición, que después de presentarse en Madrid viajará al Museo de Bellas Artes de Valencia, muestra un completo conjunto de los estudios y bocetos que Sorolla realizó para dichos paneles, así como algunos retratos de españoles ilustres, encargados también por Huntington para decorar la biblioteca de la misma institución.

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    Kupka. Localización de móviles gráficos 1912-1913 Del 15 de octubre de 1998 al 10 de enero de 1999

    Contextos de la Colección Permanente 6.

    En esta exposición se ha reunido una de las series más intensas y extensas realizadas por el checo Frantisek Kupka, un pintor cuyo principal método de trabajo era incidir insistentemente sobre un mismo tema por medio de estudios seriados. La muestra reunió los dos óleos principales de la serie, Localización de móviles gráficos I, que pertenece a la colección permanente del Museo, y Localización de móviles gráficos II, procedente de la National Gallery of Art de Washington, así como un numeroso conjunto de estudios en papel de diversos museos y colecciones. Esta exposición, patrocinada por MoviStar con la colaboración del Grupo Ruiz Nicoli, permitió al público acercarse a la obra de un artista, quizás poco conocido y no suficientemente valorado, pero que fue pionero en el campo de la abstracción.

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    Paul Klee Del 24 de junio al 18 de octubre de 1998

    El Museo Thyssen-Bornemisza y el IVAM Centre Julio González de Valencia han unido sus esfuerzos para la organización de la que fue la primera gran antológica del artista suizo Paul Klee en España. El proyecto, comisariado por Tomàs Llorens y Emmanuel Guigon, se presentó en primer lugar en la capital valenciana para viajar posteriormente a Madrid. La exposición reúne una completa selección de obras, a través de las cuales se mostró un completo panorama de la carrera artística de Paul Klee, considerado uno de los creadores más originales e influyentes del siglo XX. Esta exposición se enmarca perfectamente en la línea habitual del Museo de presentar muestras que giren en torno a movimientos, artistas o épocas especialmente representadas en la Colección Permanente y que contribuyan a enriquecer el panorama artístico español; de hecho, salvo algunas excepciones, los museos españoles carecen de obras de Paul Klee en sus fondos, mientras que este Museo posee cuatro obras maestras pertenecientes a distintos periodos y estilos de su trayectoria artística.

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    Schommer. El museo vivo Del 18 de junio al 06 de septiembre de 1998

    La segunda exposición de fotografía celebrada en el Museo Thyssen-Bornemisza ofrece durante los meses de verano de 1998 un conjunto de veinte trabajos realizados por Alberto Schommer en las salas del Palacio de Villahermosa. Las imágenes, realizadas como suele ser habitual en Schommer en blanco y negro, recogían la visión personal del artista sobre los visitantes del Museo y sobre las obras de arte que alberga. La mirada y la obra se interrelacionan creando, a su vez, una obra nueva y diferente, en la que tienen cabida los juegos de luz, la magia y el misterio. La muestra, instalada en el hall central del Museo y con acceso gratuito, estuvo enmarcada en el primer Festival Internacional de Fotografía organizado por PhotoEspaña, que tuvo lugar en diversos espacios culturales situados en el eje de la Castellana.

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    Willem Kalf. Original y copia Del 31 de marzo al 14 de junio de 1998

    Contextos de la Colección Permanente 5

    La muestra, patrocinada por la Fundación Caja de Madrid, está dedicada al estudio de la obra de Willem Kalf, uno de los maestros holandeses del siglo XVII más significativos e influyentes dentro del género de los bodegones. En esta ocasión, el interés se centra en destacar un aspecto poco estudiado de este pintor: su técnica, así como la de los numerosos seguidores que copiaron literalmente su obra. Para ello se ha reunido un conjunto de seis obras, tanto originales como copias de la época o posteriores. También se ofrece en la sala una selección del material obtenido en el estudio de restauración previo a la exposición y sus resultados. Las conclusiones de este análisis aparecen en los textos incluidos en el catálogo, a cargo del comisario de la muestra, Sam Segal, especialista en el género del bodegón en la escuela holandesa del XVII, y Ubaldo Sedano, restaurador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza.

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    August Macke (1887-1914) Del 18 de marzo al 31 de mayo de 1998

    Con el patrocinio del Banco Urquijo, la exposición August Macke (1887 - 1914) ha sido organizada en colaboración con el Westfälisches Landesmuseum de Münster, donde meses atrás se había presentado una selección de cien acuarelas del artista. Junto a estas obras, se ofrecen también al público español un grupo de óleos representativos de los distintos momentos creativos del pintor, con lo que la muestra se convierte en la primera gran exposición dedicada a August Macke en nuestro país. Componente principal del grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), Macke se distancia del resto por algunos aspectos estéticos y formas de entender el arte. Centró su atención principalmente en el valor expresivo de los colores puros y su relación con los valores musicales. Su obra pictórica muestra la influencia del postimpresionismo francés, así como del futurismo italiano y el orfismo de Delaunay.

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    El Triunfo de Venus, la imagen de la mujer en la pintura veneciana del s. XVIII Del 19 de noviembre de 1997 al 22 de febrero de 1998

    Esta exposición, patrocinada por Barclays Bank, reúne una selección de ochenta obras procedentes de diversos museos y colecciones, que tienen como hilo conductor el tema de las cualidades, metáforas y figuras que se asocian con lo femenino y la feminidad en el gusto y la imaginación pictórica veneciana del siglo XVIII. El recorrido de la muestra, comisariada por Tomàs LLorens, se plantea como un análisis de la trayectoria de los cambios de gusto y de lenguaje pictórico que se extiende desde el barroco tardío al neoclasicismo. Uno de los máximos alicientes de esta exposición es la presentación en España de la obra maestra de Antonio Canova Las Tres Gracias, cedida temporalmente por sus copropietarios, el Victoria & Albert Museum y la National Gallery de Escocia.

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    Joan Miró. Campesino catalán con guitarra, 1924 Del 01 de octubre de 1997 al 11 de enero de 1998

    Contextos de la Colección Permanente 4

    El cuadro que protagoniza esta edición de Contextos se expone acompañado de un conjunto de obras relacionada directamente con él; en este caso, todas las pinturas al óleo realizadas por Miró en torno al tema del campesino catalán, así como los dibujos preparatorios, o relacionados con la serie. El objetivo de esta exposición, ideada y proyectada por Tomàs LLorens, es el de plantear una aproximación sobre cuál pudo ser el desarrollo de las ideas de Miró en la realización de la serie del campesion catalán, un tema aún sin dilucidar y que, sin duda, ayudaría a definir más claramente la trayectoria artística del artista.

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    George Grosz. Los años de Berlín Del 28 de mayo al 28 de septiembre de 1997

    Durante los meses de primavera y verano se puede visitar la muestra George Grosz. Los años de Berlín, organizada en colaboración con la Collezione Peggy Guggenheim de Venecia, donde se exhibió antes de viajar a Madrid. Patrocinada por el Banco Central Hispano, la exposición cuenta con una selección de veinte óleos, un centenar de obras sobre papel y varios libros de apuntes, libros ilustrados y portfolios, procedentes de museos y colecciones privadas, así como de la Sucesión de Grosz. La muestra se ha centrado en la obra y la actividad del artista alemán durante los años vividos en Berlín (1893-1933), su período más decisivo para el arte del siglo XX y del cual la Fundación posee algunas de sus obras más significativas, como es el caso de Metrópolis.

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    La Anunciación de El Greco Del 29 de abril al 29 de junio de 1997

    Contextos de la Colección Permanente 3

    El objetivo principal de esta exposición es el de plantear un análisis conjunto de tres versiones del tema de la Anunciación realizadas por el Greco en su periodo de madurez: la obra final que formó parte del retablo del Colegio de Doña María de Aragón, actualmente conservada en el Museo del Prado, y dos réplicas o bocetos en tamaño menor pertenecientes, una al Museo de Bellas Artes de Bilbao y la otra a la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza. Junto a estos tres óleos se exponen también otros dos lienzos, un Bautismo y una Adoración de los Pastores, procedentes de la Colección del Palacio Barberini de Roma, versiones también en pequeño formato de otros dos cuadros que formarían parte del mismo retablo. La muestra incluyó también la exposición de los resultados del estudio científico realizado, principalmente con motivo de la restauración de La Anunciación del Museo Thyssen-Bornemisza.

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    Juegos Surrealistas Del 29 de noviembre de 1996 al 23 de febrero de 1997

    Esta muestra recoge una amplia selección -más de 100 obras- de los mejores ejemplos de los denominados cadavres exquis, dibujos colectivos realizados por miembros del Grupo Surrealista. El impulsor de este procedimiento fue André Bretón, en su interés por explorar los mecanismos del inconsciente por medio de la actividad colectiva. A través de esta muestra y del correspondiente catálogo se pretende no sólo dar a conocer un particular conjunto de obras de arte, sino también un verdadero e innovador modo de producción artística, así como profundizar en el conocimiento del movimiento surrealista.

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    Kirchner. Fränzi ante una silla tallada, 1910 Del 29 de octubre de 1996 al 26 de enero de 1997

    Contextos de la Colección Permanente 2

    La segunda muestra de la serie de exposiciones Contexto se dedica a uno de los pintores expresionistas mejor representados en la Colección Permanente, Ernst Ludwig Kirchner y, concetamente, a una de sus obras más importantes Fränzi ante una silla tallada, considerada como una obra maestra del expresionismo alemán de principios de siglo. Junto a ella se expone un conjunto de obras sobre el mismo tema y de las mismas fechas, procedentes de diversos museos y colecciones. La exposición ha sido organizada con la colaboración de Lufthansa y la embajada de Alemania, y comisariada por la Dra. Magdalena Moeller, directora del Brücke Museum de Berlín, autora también del estudio publicado en el catálogo de la muestra.

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    Alfombras españolas del Museo Nacional de Artes Decorativas Del 02 de noviembre al 08 de diciembre de 1996

    Organizada en colaboración con el Museo Nacional de Artes Decorativas, se han seleccionado para esta muestra siete alfombras pertenecientes a dicho museo y procedentes de los dos centros de producción más importantes y de mayor difusión dentro y fuera de nuestras fronteras: Alcaraz (Albacete) y Cuenca. El conjunto de alfombras se expone en la Galería Villahermosa, en la segunda planta del Museo, junto con siete cuadros de la Colección Permanente en los que aparecen representados diversos modelos de alfombras de la época y que sirven como testimonio de su uso cotidiano.

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    De Canaletto a Kandinsky. Obras maestras de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza Del 21 de marzo al 08 de septiembre de 1996

    Comisariada por Tomàs LLorens, la exposición muestra una selección de 85 obras de las casi 400 que formaban entonces la colección particular de la Baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza, centrándose en el periodo que va desde el siglo XVIII a principios del siglo XX y, concretamente, en la pintura de paisaje y en la representación de escenas de la vida cotidiana. El recorrido planteado va desde las vistas de Venecia pintadas por Canaletto o Guardi, o las obras de los grandes maestros de la pintura costumbrista y realista española -desde Goya hasta Sorolla o Joaquín Mir -, hasta paisajes de los principales representantes del Impresionismo y Post-Impresionismo francés (Monet, Pisarro, Gauguin, Toulouse-Lautrec, etc.), así como una destacada presencia de la escuela norteamericana del siglo XIX. El montaje finaliza en una sala dedicada al arte del cambio de siglo, con importantes obras de Picasso, Kandinsky y Nolde, entre otros. Asimismo, este espacio acoge cuatro mármoles de Rodin, encargados al escultor francés por August Thyssen, abuelo del Barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza.

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    Picasso en 1923. Arlequín con Espejo y La Flauta de Pan Del 24 de noviembre de 1995 al 18 de febrero de 1996

    Contextos de la Colección Permanente 1

    El cuadro seleccionado para la primera exposición de Contextos de la Colección Permanente es la obra de Picasso más importante que posee el Museo Thyssen-Bornemisza, Arlequín con espejo, fechado en 1923 y considerado uno de los mejores ejemplos del periodo neoclásico del artista malagueño. Junto a él se puede contemplar por primera vez en España el cuadro La flauta de Pan, del Museo Picasso de París, obra cumbre del Picasso clasicista también fechada en 1923. Junto a estas dos obras principales, la exposición recoge otros dos óleos, varios dibujos y bocetos, ilustrando y explicando la estrecha vinculación que existe entre ambas su proceso creativo.

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    Cualladó. Puntos de Vista Del 19 de noviembre de 1995 al 14 de enero de 1996

    La muestra, primera exposición de fotografía del Museo, recoge el trabajo realizado por el prestigioso fotógrafo valenciano Gabriel Cualladó (Masanasa, 1925), Premio Nacional de Fotografía 1994, en las salas del Museo, teniendo como tema el público que las ha visitado. Las imágenes se han instalado en la sala de exposiciones temporales siguiendo un criterio principalmente estilístico y un ritmo acorde con sus particulares características. En su mayor parte están dispuestas de forma pareada, reproduciendo la disposición y el orden que tenían en el catálogo de la exposición. El recorrido comienza con las fotografías del exterior del Museo y sigue con la secuencia de tomas realizadas en las salas, las cuáles iban ganando en contraste lumínico según se avanzaba en el trayecto de la exposición.

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    André Derain (1880-1954) Del 05 de abril al 23 de julio de 1995

    Durante los meses de abril a junio el Museo acoge una muestra retrospectiva de André Derain, el denominado pintor del "malestar moderno". Se trata de una adaptación realizada por Tomàs LLorens de la antológica organizada el otoño pasado por el Museo de Arte Moderno de la Villa de París. Se presenta una selección de 55 cuadros, procurando mostrar el perfil característico de la trayectoria de este polifacético artista: el Derain fauve, el Derain joven que recibe la herencia de Gauguin y Van Gogh, el posterior rechazo al Postimpresionismo y aproximación a la obra de Cézanne y las manifestaciones artísticas de los pueblos primitivos, su reivindicación de los géneros de la pintura tradicional -bodegón, paisaje y retrato-, la incorporación del tema del desnudo después de la Primera Guerra Mundial y la visión sombría que inunda su arte de su etapa final.

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    El Siglo de Oro del Paisaje holandés Del 11 de noviembre de 1994 al 12 de febrero de 1995

    Esta es la primera exposición monográfica realizada en España sobre el género pictórico de la escuela holandesa del siglo XVII. La muestra supone una nueva aportación al conocimiento de esta etapa esencial de la historia de la pintura. La sala de exposiciones ha sido especialmente diseñada para esta ocasión, redistribuyendo sus espacios internos con el fin de adecuarlos a las características de los cuadros y al criterio expositivo. Este se ha realizado siguiendo un claro recorrido cronológico a través de los doce espacios destinados para ello, comenzando con los denominados artistas de transición de los siglos XVI y XVII, para concluir con aquellos maestros en cuya obra se percibe el germen de las futuras corrientes pictóricas.

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    Del Impresionismo a las Vanguardias. Obras sobre papel Del 15 de noviembre de 1993 al 16 de enero de 1994

    La primera exposición temporal se ha organizado coincidiendo con el primer aniversario de la inauguración del Museo con fondos de la propia Colección, que, por su fragilidad no pueden exponerse más que por tiempo limitado. La obra sobre papel del Museo Thyssen-Bornemisza constituye un conjunto de 79 obras pertenecientes a la sección de Maestros Modernos, que abarca cronológicamente los siglos XIX y XX, aunque la mayoría de ellas se adscribe al periodo incial del arte moderno.

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